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No Contemplation
Federico Luger

Inaugurazione giovedì 04 marzo 2010
ore 19:00
fino al venerdì 30 aprile 2010

Artisti:
Gabriele Di Matteo, Igor Eškinja, Luca Pozzi, Michaël Aerts

La Galleria Federico Luger è lieta di invitarvi alla mostra “No Contemplation”, che inaugurerà il 4 Marzo e proseguirà fino al 30 aprile, negli spazzi della galleria.
Una Collettiva, nata da una serie di considerazioni sul lavoro degli artisti che vi partecipano e sul significato del concetto di fruizione dell’opera d’arte contemporanea.
Gli artisti: Michael Aerts, Gabriele Di Matteo, Igor Eskinja e Luca Pozzi saranno riuniti in questa collettiva che li richiama ad un comun denominatore, che si ritrova nelle loro ricerche nonostante le profonde differenze. Ciò che li accomuna rendendoli complici è la visione, l’assenza totale o la destabilizzazione di un “comune” o per meglio dire tradizionale, atteggiamento dello spettatore…
In un certo senso la mostra vuole sottolineare quanto lo spettatore sia il protagonista, a volte beffato, disorientato, coinvolto, su tutto reso partecipe ed accompagnato in un percorso altro, dove niente è come sembra. Dove una serie di aspetti etici, culturali, ironici vengono marcati e resi visibili grazie alle personali riflessioni del singolo. Una mostra che non si mostra ma che a sua volta dichiara con l’indice rivolto verso lo spettatore la chiave di lettura del mondo contemporaneo.
La particolarità di “No Contemplation”, nasce dalla contraddizione del titolo con le opere esposte,(in quanto esposte). Il titolo denuncia la mancanza di contemplazione da parte degli autori, resa possibile dalla contemplazione da parte dello spettatore.

Michael Aerts – Gabriele Di Matteo – Igor Eskinja – Luca Pozzi

Inaugurazione 04.03.10 h. 19.00

04.03.10 – 30.04.10

Federico Luger
Via Domodossola 17
Milano 20145
Tel +39 02 67391341

http://www.federicoluger.com/
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Articolo di Giovanna Lacedra del 21 febbraio 2010

Presso lo Urban Wine & Shopping, di via Pisani 2 , tra Piazza della Repubblica e la stazione centrale di Milano, è in corso una mostra dalle tonalità decisamente accecanti:
“Andy: uno sguardo nel Pop.”

Andy – al secolo Andrea Fumagalli – è un trentottenne e poliedrico artista NeoPop.
Psichedelico tastierista, sassofonista e seconda voce dei (furono) Bluvertigo – band alternativa capeggiata da Morgan, con al suo attivo album dall’anima “sintetica” e atonale come “Acidi e Basi” o “Metallo-non-Metallo”, dai suoni algidi-synth e dalle melodie decisamente squadrate, intrisa di rimandi alla new wave e al post-punk e che ha scritto un importante paragrafo del genere pop rock elettronico italiano degli anni ’90 – oggi vive e crea a Monza.
In seguito alla pubblicazione di una raccolta antologica titolata proprio “Pop Tools”, nel 2001, la band si è (mai) pubblicamente sciolta, e mentre Morgan ha continuato la sua carriera musicale da solista, acquistando di recente maggior notorietà come talent scout e giudice spigoloso del popolare e talent show “X-factor”, Andy si è interamente dedicato alla pittura, continuando comunque ad occuparsi di musica come compositore e DJ.
La sua ricerca pittorica, di matrice vintage, è decisamente decollata da qualche anno a questa parte.
Si tratta di vividissime creazioni che nascono a “Flu-on”, ala di un’ex fabbrica tessile di Monza, un capannone industriale di circa 240 metri quadri, da lui stesso adibita a laboratorio pop, con sala di registrazione e studio di pittura. È qui che Andy dipinge, non solo su tela, ma anche su oggetti d’arredo, vecchi juke-box, panche da antiquario, violini e violoncelli, manichini da vetrina.

“Flu” sta per fluo, mentre “On” sta per accensione.

Devoto ad Andy Warhol e David Bowie, Andy dipinge esclusivamente con colori acrilici fluo, adoperando una tecnica sintetica e nitida. In una parola: pop.
Nella cromatica fluorescenza delle sue tele celebra i miti degli ultimi 20-30 anni.
Su tele generalmente quadrate e di medio o grande formato, rimette in scena un repertorio iconografico cult appartenente agli anni ’70-’80, popolato da divi e dive dello star sistem, in special mondo della musica, e dai personaggi più celebri dei cartoon.
Sulla superficie della tela campiture di colori chiassosi, racchiuse da netti contorni neri o colorati – notoriamente appartenenti al tradizionale linguaggio della grafica e del fumetto -, rimettono in scena celebrità dal sapore vintage e che sono ormai divenute culto per i trentenni-quarantenni di oggi. Da un dissacrante Jim Morrison a d uno spiazzante Bowie, per arrivare a memorabili protagonisti dei cartoon come Lamù, Capitan Harlock, Lupin e Gigen, La Pantera Rosa, Candy Candy, Creamy, Occhi di Gatto…etc.
Un nostalgico e caleidoscopico snodarsi di memorabili icone accoglie lo spettatore, che accecato da tanta fluorescenza inizialmente strizza gli occhi, per poi sentirsi inghiottito da tanta esplosione cromatica.
Un viaggio nel tempo.
Un viaggio nel pop.
“..la condizione in cui mi trovo è proprio fuori dal tempo…” (Bluvertigo)

Il suo repertorio iconografico è oggi non solo pittura. Viene infatti applicato anche nel settore della moda e in quello pubblicitario. E questo non fa che fortificare ulteriormente la sua natura Pop, sospesa tra il manufatto artistico e l’oggetto mercificato.

La mostra sarà visitabile sino all’8 marzo 2010, con i seguenti orari:
tutti i giorni dalle 9.00 alle 20.00.
L’ingresso è gratuito.
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Mattia Bortoloni, il giovane matematico

Una mostra dei Titani della pittura veneta

Una mostra dedicata alla pittura del ‘700 nel Veneto che scopre capolavori dei grandi maestri e che riscopre, facendolo conoscere al grande pubblico, l’artista di origine rodigina Mattia Bortoloni.

Ospitata nella Pinacoteca di Palazzo Roverella e curata da Alessia Vedova, la mostra è promossa dalla Fondazione Cassa di Risparmio di Padova e Rovigo, dall’Accademia dei Concordi e dal Comune di Rovigo e presenta una selezione mozzafiato di magistrali opere dei Tiepolo, Piazzetta, Pellegrini, Ricci, Balestra e altri “titani” del Settecento veneto, accostandoli per la prima volta ad una accurata selezione di opere mai viste del Bortoloni.

Promotori e sponsor

La mostra “Bortoloni Piazzetta Tiepolo: il ‘700 veneto” è organizzata sotto l’Alto Patronato del Presidente della Repubblica in collaborazione con la Regione del Veneto, la Soprintendenza per i Beni Storici Artistici ed Etnoantropologici per le Province di Verona, Rovigo e Vicenza, la Provinciadi Rovigo, il Comune di Fratta Polesine e gode del patrocinio della Regione del Veneto e del Ministero per i Beni Artistici e Culturali.

Main sponsor: Regione del Veneto, Intesa Sanpaolo.
Con il contributo di: Cassa di Risparmio del Veneto, Camera di Commercio di Rovigo.
Media partner: Il Resto del Carlino.

L’ESTROSO BORTOLONI

Artista da guinness. Irriverente, ironico, antiaccademico

Alcuni lo conoscono “solo” per un’opera da guinness: il più esteso affresco di tutti i tempi e luoghi, 5.500 metri quadri di finissima pittura per l’enorme cupola ellittica (anch’essa da primato, essendo la più grande al mondo) del Santuario di Vicoforte, in Piemonte. Un’opera colossale, delle dimensioni di un intero campo da calcio, considerata il capolavoro del barocco piemontese, affrescata per celebrare la Beata Vergine e, insieme, la gloria di Casa Savoia.

Altri lo conoscono perché lavorò a fianco di Giovan Battista Tiepolo, al punto che in non pochi capolavori del grande maestro è ancora oggi difficile distinguere ciò che si deve al pennello dell’uno o dell’altro.

In ogni caso Mattia Bortoloni (San Bellino, 1696 – Bergamo, 1750) fu un artista straordinario, originalissimo, “soffocato” in vita e nella fama per aver operato con i titani dell’arte veneta del Settecento, dal veronese Balestra (di cui fu anche allievo) ai Tiepolo (Giambattista e Gian Domenico). Ora, finalmente, una grande mostra lo riporta agli antichi splendori e lo fa conoscere al grande pubblico ponendo a confronto le sue opere con quelle dei suoi maestri e dei suoi contemporanei (Ricci e Piazzetta, solo per citarne alcuni).

Luci e ombre accompagnano la sua lunga carriera che, insieme ad altri ma molto spesso da solo, lo ha visto impegnato in una attività ciclopica anche per quei tempi, in grandi lavori a Venezia, nel Veneto, Lombardia, Piemonte.

Tra i suoi capolavori i cicli affrescati per il Duomo di Monza, per il Santuario della Consolata e per Palazzo Barolo a Torino, per Palazzo Clerici e Palazzo Dugnani a Milano, per Villa Vendramin Calergi a Fiesso Umbertiano (RO), per Villa Albrizzi a Preganziol (TV), per Villa Raimondi a Birago di Lentate sul Seveso (MI) e Visconti-Citterio a Brignano Gera d’Adda (BG), per le Chiese veneziane dei Santi Giovanni e Paolo e di San Nicolò ai Tolentini, per Cà Sceriman e per Cà Rezzonico, sempre a Venezia, sino al suo capolavoro assoluto, l’imponente ciclo per il Santuario di Vicoforte, più di 5.000 metri quadri di finissimo affresco, il più grande mai dipinto sulla cupola ellitticapiù grande del mondo per dare immortalità al pantheon di Casa Savoia.

All’attività di frescante, Mattia Bortoloni affiancò quella di gran autore di tele, opere dove la necessità del racconto va di pari passo con una originale capacità interpretativa. È soprattutto questa importante produzione ad essere indagata dall’attesa mostra di Palazzo Roverella. Sono opere spesso studiate per la prima volta, attribuzioni inedite, tele mai svelate al pubblico e altre difficilmente visibili, che restituiscono a Bortoloni la fama, meritatissima, di cui godette al suo tempo, prima di trovarsi offuscato dalla magnificenza dell’arte tiepolesca.

Oltre a Bortoloni

Tra le opere esposte, vanno segnalati alcuni capolavori giovanili di Giambattista Tiepolo, come la “Gloria di San Domenico”, le “Tentazioni di Sant’Antonio”, “Eliodoro rapisce i tesori del Tempio”, accanto a prove di soggetto mitologico quali “Diana e Atteone”, concesso dalle Gallerie dell’Accademia di Venezia.

Di Giambattista Piazzetta è in mostra una struggente pala raffigurante l’“Estasi di San Francesco” proveniente dal Museo Civico di Vicenza e “L’Angelo Custode con i Santi Antonio da Padova e Gaetano da Thiene” dalla chiesa di San Vidal a Venezia accanto ad una prova giovanile di Sebastiano Ricci raffigurante “Ercole al Bivio”, proveniente dallo storico Palazzo Fulcis di Belluno e “Lucrezia Romana” dalla Galleria Nazionale di Parma.

Di Giambattista Pittoni sono messe a confronto due tele: la prima ispirata ai temi di Torquato Tasso che raffigura “Olindo e Sofronia” ancora di impaginazione seicentesca e la seconda, “Diana e le ninfe” che è già di gusto rocailles.

Di Antonio Balestra, uno dei maestri di Mattia Bortoloni, saranno presenti un’inedita “Natività” e due straordinarie tele, provenienti dal monastero benedettino di San Paolo d’Argon, recuperate dopo un lungo intervento di restauro. L’esposizione, inoltre, è arricchita da una preziosa sezione di bozzetti dei più grandi frescanti del Settecento: oltre ai Tiepolo (Giambattista e Giandomenico), al Piazzetta ed allo stesso Bortoloni, anche Dorigny, Diziani, Crosato, Fontebasso, Guarana che di quest’arte furono gli ultimi  grandi seguaci.

Visita Il sito ufficiale della Pinacoteca di Palazzo Roverella

Mostra “Tesori dalle dimore storiche del Veneto. Capolavori dal ‘300 al ‘700″

In contemporanea con “Bortoloni Piazzetta Tiepolo: il ‘700 veneto”, la grande esposizione allestita a Palazzo Roverella, il Comune di Rovigo ospita al Museo dei Grandi Fiumi una mostra davvero “rara” dovuta all’iniziativa dell’Accademia dei Concordi e della ADSI (Associazione Dimore Storiche Italiane): cento dipinti che, per questa unica occasione, passano dalle stanze private di signorili dimore venete ad una mostra pubblica.

Le opere che per anni, nella grande maggioranza, sono state conservate gelosamente con notevoli sacrifici da parte dei proprietari, ora si offrono al pubblico in una mostra che espone, salvo qualche eccezione, dipinti di pittori veneti o di terre limitrofe e che costituisce pertanto anche un documento della storia della cultura veneta rappresentata in questa occasione da capolavori di: Guariento, Giovanni Bel- lini, Jacopo Tintoretto, Vecellio, Savoldo, Solimena, Marco Ricci, Giambattista e Giandomenico Tiepolo. Eccezionalmente sarà esposta anche parte di una importante collezione di nature morte con dipinti di Strozzi, Bonzi, Fede Galizia, Brueghel e altri grandi artisti, una vera e propria mostra nella mostra.

Galleria delle immagini
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Opera di Rossella Mocerino

presso la Galleria d’Arte III Millennio – VENEZIA
dal 05 al 19 Febbraio 2010
inaugurazione Giovedì 11 Febbraio dalle 18

MASKS! – Opere di Rossella Mocerino
in occasione del Carnevale di Venezia

Rossella Mocerino è nata in Toscana. Attualmente vive e opera a New York dove risiede in Greenwich Village. Ha studiato disegno alla Lega degli Studiosi dell’Arte di New York City, quindi anatomia con Robert Hale della Lega degli Studiosi d’Arte, quindi tempera con l’artista newyorkese Olivera Sajkovic, quindi storia dell’arte con Sarah Lawrence a Firenze.

Espone le sue opere nel Vecchio e nel Nuovo Mondo in mostre personali e collettive dal 1981.

Parere del Curatore:

Giovane pittrice attiva negli Stati Uniti, profondamente affascinata da Venezia, ama rappresentare le maschere tipiche della Commedia dell’Arte ricercando in esse i valori fondanti l’immaginazione ed il rapporto dell’umanità con l’autocoscienza e la consapevolezza dell’esistenza. Insomma riscopre l’importantissimo significato spirituale e celebrativo che i festeggiamenti d’ogni sorta avevano nelle antiche ere delle civiltà umane e che al giorno d’oggi sembrano essere dimenticate per far spazio ad esigenze più che altro materiali.

L’artista riafferma i profondi significati e gli immensi valori che certe tradizioni conservano, per buona pace di color che sono sopraffatti dall’ansietà di celebrare sempre qualcosa di nuovo; ma, come sempre è detto: niente è nuovo sotto il sole. Allora tanto vale considerare sempre gli interrogativi più importanti che l’umanità si pone e tralasciare ciò che il preteso attualismo e la pretesa originalità è fatta passare per arte contemporanea. Bando quindi all’assecondamento di mode superficiali e spesso vuote e largo a ciò di cui in fondo l’arte si deve occupare. L’arte si deve occupare dell’uomo. Questo afferma Rossella Mocerino. Questo vale per quanto concerne i contenuti. La tecnica quindi è studiata e curata con perizia ed anche questo dettaglio si discosta fortemente dal molta altra arte che s’inganna privilegiando il contenuto. Non vi sarà alcun contenuto senza la ricerca della forma. In ciò l’arte assurge al sublime distinguendosi dalla mera cronaca.

Per Rossella Mocerino la figura umana è al centro della ispirazione creativa. In particolare ella è rimasta affascinata dal mascheramento tipico del carnevale veneziano che, nonostante la sua unicità ed originalità, affonda le radici in una tradizione atavica e ancestrale. Tale manifestazione, collocata nel contesto storico ed architettonico nonché naturalistico di Venezia, diviene una miscela ricca di riferimenti e stimoli di riflessione e spunto per la creazione. Difficile non rimanere irretiti.

Ecco quindi le maschere veneziane attraverso la lente ed il filtro dell’immaginazione di Rossella Mocerino. In questa pittura, il dramma dell’esistenza si colora ed il mistero del mascheramento travisa e inganna il tempo, la decadenza, la storia; così osserviamo queste figure celate, colte in una atmosfera sospesa e priva di riferimenti spazio temporali.

Esse divengono quindi icone di un nuovo modo di idealizzare simboli naturalistici ed universali. L’umanità infatti è sempre più distaccata e lontana dalla natura. La vita alienante del mondo della rivoluzione informatica e delle ossessive comunicazioni, allontana l’uomo da essa. Entra quindi in crisi quel rapporto contiguo tra intima vicinanza e incolmabile lontananza che si può stabilire a volte tra il singolo individuo e l’immensità del mondo.

Ecco quindi queste colorate creature che con il loro mascheramento, il loro mutamento, cercano di afferrare quel sentire perduto nel remoto passato; perduto in un mondo che è quasi estinto: fatto di romantica contemplazione. Attraverso di loro è agevolata la fuga dalla realtà del quotidiano e il recupero appunto di quei valori mistici. In una sorta di celebrazione sciamanica la maschera diviene simbolo del Sole o dell’Universo intero o dell’Oceano.

La maschera non è un semplice orpello o il capriccio di un pomeriggio ma è il momento per essere altro da sé ma non altro “umano”, bensì altro inteso come ente in contatto diretto con l’essenza del mondo. Il camuffamento diviene quindi un processo di catarsi che distoglie l’uomo dalle miserie del proprio quotidiano e lo rivolge alla natura ed ai profondi ed irrisolti quesiti universali; quelli che per l’uomo dell’epoca primitiva davano il senso alla vita.

Visita il Sito di  Galleria d’Arte III Millennio
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Castello Estense

Le suggestive sale dell’Imbarcadero del Castello Estense di Ferrara, dal 6 al 14 Febbraio 2010 accoglieranno la rassegna di arti visive Cromaticos giunta alla terza edizione e dedicata al colore nell’arte come omaggio al pensiero di Goethe e Steiner.
Il vernissage si terrà sabato 6 Febbraio ore 18.00. Gli artisti partecipanti, anche se con tecniche diversificate, daranno un senso comune alla scoperta del colore come significante.

Ecco i protagonisti:

Jonathan Ted Pannacciò

Le immagini di Jonathan Ted Pannacciò non hanno sfumature, sono un’insieme di forme e figure incastonate tra loro, che costruiscono un universo a metà tra il mitologico e il surreale: sono puzzles di colori che ci portano dentro un mondo che ha dimensioni tutte sue. Lo schema figurativo, tutt’altro che casuale, pullula di forme di vita sconosciute ed affascinanti generate dai vividi contrasti cromatici, che sembrano solo precariamente arginate da un’improvvisa fuoriuscita dalla superficie della tela.

Peppino Campanella

La magia che compie Peppino Campanella è quella di manipolare una materia immateriale: la luce, ovvero il colore nella sua forma più pura. I suoi preziosi oggetti sono il frutto di una tramutazione, quasi alchemica, di semplici lampadine elettriche e pezzi di vetro in vere e proprie poesie di luce, dalle forme uniche ed originali. Qui, il colore prende letteralmente vita, giacché i fasci di luce si rifrangono nella materia vetrosa e ne escono tinti di infinite variazioni di azzurri, verdi, blu, rossi, gialli…

Gianluca Coren

I protagonisti delle tele di Gianluca Coren sono quasi sempre corpi di persone, aggrovigliati ed in posizioni innaturali o stesi quasi a voler occupare il più spazio possibile della tela oppure presenti solo in forma di frammento: una mano, un braccio, un profilo… Il disegno preciso della figura, delineato dai contrasti di luce e ombra, si mescola inaspettatamente con pezzi di lastre metalliche, tavole di legno e grumi di materia pittorica. I corpi assediati dai materiali che li circondano assumono di volta in volta i colori caldi là dove prevale il legno, oppure passano ai freddi toni del blu e dell’azzurro quando sono accostati ai metalli, anche se poi tornano ad essere rossicci ed arancioni quando il ferro si arrugginisce.

Natalya Osadcha

Le immagini di Natalya Osadcha colpiscono perché ad una prima occhiata sembrano fotografie: non solo la tecnica pittorica raffinatissima giunge ad un realismo straordinario, ma anche le inquadrature e i personaggi in posa da foto-ricordo o da foto per qualche giornale di moda che ritrae qualche foto-modella. Quando si capisce che non si tratta di fotografie, bensì di dipinti non si può non rimanere colpiti da quelle che prima sembravano delle banali immagini di vita quotidiana (anche se sempre rigorosamente in posa). I colori diventano quindi per Natalya il mezzo con cui inseguire la realtà: le sfumature della carnagione, i riflessi dei capelli, la buccia e le foglie della frutta vengono scandagliate e minuziosamente riprodotte sulle sue foto-tele.

Alice Burato

I quadri di Alice Burato sono una continua ricerca compositiva di forme e colori: un linguaggio fatto di segni misteriosi ripetuti secondo schemi ben precisi, che sembrano quasi tracciare dettagliate carte topografiche di città, o forse piantine dei labirinti della mente. Non resta che seguire l’artista, attraverso i percorsi da lei delineati ed assaporare ogni sensazione che i suoi grovigli colorati comunicano così nitidamente, grazie ad un ritmo visivo incalzante: ora veloce attraverso le linee blu, ora lento nelle distese dei quadrati rossi, ora zigzagante tra i piccoli quadrati gialli ed ora diritto su linee scure che attraversano l’intera tela.

Germana Tambara

La pittura di Germana Tambara si fa notare per una singolare potenza visiva, data dalle vigorose pennellate che caratterizzano i suoi quadri. Il disegno si annienta, i contorni delle forme si sfrangiano sotto l’azione della pittura motivata da un’urgenza espressiva dirompente. Mentre la forma perde la sua riconoscibilità, i colori sembrano moltiplicarsi e sembra davvero di vedere un’infinita gamma cromatica: ogni tocco dell’artista sembra aggiungere una nuova tinta, una nuova sfumatura, una nuova tonalità, e forse, se potessimo grattare la superficie della tela, ne troveremmo altre ancora.

Gaetano Fiore

Le immagini di Gaetano Fiore parlano della natura, che sembra essere continuamente scrutata e trasfigurata dall’artista, tanto da rendere sorprendenti forme così banali come quelle di un ramo, di un campo coltivato, di un fiume o di un tronco. I colori stesi in maniera così limpida e comunicano immediatamente un senso di serenità e distensione, ma non quella dell’assopimento intorpidito, ma quella data da una piena consapevolezza delle sconfinate possibilità della natura, delle sue illimitate forme e variabili e delle sue geometrie perfette.

Guillaume Delzanno

Le illustrazioni di Guillaume Delzanno si caratterizzano per lo stile tipico da Manga giapponese, col quale l’artista crea immagini di un mondo parallelo e visionario. Lo scopo dei suoi disegni non è di tipo narrativo: non è necessario dover dire qualcosa, raccontare fatti o dare una morale; qui lo scopo è più che altro descrittivo: i forti effetti grafici, l’uso di colori puri e luminosi servono per colpire l’osservatore e indurlo alla contemplazione dell’immagine, che ha un valore estetico autonomo. Un’arte che attraversa lo spazio e il tempo, giacché la contemporaneità di questo stile, adatto alla rapida comunicazione del post-moderno, s’incontra con una cultura del passato (quella giapponese) che è fatta di contemplazione e ricerca di armonia visiva.

Alessandro Maurina

Alessandro Maurina mette in scena il caos cosmico, dove il colore è materia informe, espressione personale di un’interiorità riversata senza filtri sulla tela. Non ci sono storie da narrare, non c’è un inizio e una fine, ma un tutto continuo, che trasmette emozioni contrastanti. La sua pittura è struttura primigenia, una forma di comunicazione che precede il linguaggio, talmente semplice da risultare quasi incomprensibile.

Valeria Perversi

Tra artigianato, decorazione e pittura, Valeria Perversi si muove entro un immaginario che sembra quello delle favole per bambini. I toni pastello dei suoi colori riconducono ad un’infanzia, forse mai perduta, capace di gioire per un palloncino, una foglia o un alito di vento. Le gamme cromatiche rivelano la delicatezza d’animo dell’artista, che ci mostra atmosfere autunnali e brumose oppure il pallore di un chiaro di luna o ancora la luce soave del sole al tramonto.

Gabriele Pinese

Gli strumenti di Gabriele Pinese sono le penne, i pastelli e i pennarelli, utensili che paiono snobbati dai più, ma che nelle mani di quest’artista danno vita a stupendi ritratti. Qui il colore coincide col disegno stesso, entrambi fatti di tratteggi e linee che danno alle immagini un forte senso dinamico ed energico. Come fosse uno scalpello, la punta di penne e pastelli diventa un attrezzo per scalfire la superficie dei volti e mostrarne i segreti nascosti.

Claudio Bandini

Le tele di Claudio Bandini sono attraversate da una forte energia luminosa: i colori sono disposti in forme che sembrano quasi assemblate più che dipinte, mentre i toni chiari e gli ori carpiscono la luce e la riflettono moltiplicata. Ne risultano immagini simili alle vetrate di una chiesa, che riescono a comunicarne lo stesso senso di alta spiritualità. Le architetture dei colori edificano spazi fatti di silenzio, estremamente lirici, frutto di una meditazione profonda che giunge ad un’incantevole sintesi compositiva.

Donatella di Maria

Impossibile rimanere indifferenti davanti alle opere di Donatella di Maria, che paiono pervase da una strana energia propulsiva, data da una deformazione del reale a metà tra l’ironico e il grottesco di forte impatto visivo. Il colore acquista tonalità inaspettate, tanto che a volte sembra finito sulla tela quasi per caso: schizzi e colature oppure tocchi di giallo o di rosso in un ritratto sembrerebbero degli errori se non fosse che sono proprio quei dettagli a rendere l’immagine così vibrante.

Eleonora Musoni

I lavori di Eleonora Musoni comunicano: i suoi soggetti guardano direttamente lo spettatore come se gli volessero parlare. Tra osservatore ed osservato si instaura un dialogo molto intimo, in cui lo sguardo vien lasciato vagare nelle profondità dei colori, tant’è che a volte sembra quasi di potersi riflettere nel languore delle pupille di quei volti. I colori, stesi a fatica tra una piega e l’altra della tela, fra grinze e screpolature disorientano per la loro intensità, e, più che dare risposte sembrano porre nuovi interrogativi.

Wanda

Quello di Wanda è un pennello estremamente preciso, capace di passare dagli ampi spazi di un paesaggio ai piccoli dettagli di un fiore. Colpiscono soprattutto i toni del blu, che delineano cieli e mari mediante sfumature “vaporose”, che permettono cioè di percepire la densità delle nubi o la consistenza delle onde che si infrangono sulla spiaggia. Accanto alla rappresentazione del visibile, l’artista affianca una ricerca astratta, dove il gusto cromatico diventa il fulcro dell’immagine e raggiunge suggestivi valori espressivi.

Mimmo Legato

I quadri di Mimmo Legato sono vortici di colore, incontri di fredde correnti azzurre e blu con caldi venti rossi, di raffiche verdi con turbinii arancioni e gialli. Azione, movimento, dinamismo, velocità, questo comunicano le sue tele, dove volti e figure vengono avvolti e travolti dalle spirali dagli andamenti contrastanti e disordinati, ed infine ne escono profondamente trasformate, a causa della straordinaria luminescenza cromatica che ora hanno acquisito.

Carmelo Viglianisi

Nei dipinti di Carmelo Viglianisi forma e colore sono una cosa unica: spesso gli sfondi compenetrano le figure, ed esse ne riflettono la luce, mentre a volte sembrano essere le figure a trasmettere i loro colori al resto dell’immagine. La ricerca della giusta posa corrisponde alla ricerca cromatica, in un lavoro di composizione che inscena corpi danzanti in una solitudine sconfinata, dove a volte, capita che due di loro s’aggroviglino a formare una nuova, unica entità.

Marco Teodorani

Le ricerca di Marco Teodorani si muove tra descrizione del visibile e rappresentazione dell’interiorità profonda, in un percorso che va dalla pittura di sinuose figure femminili sino alla pittura astratta, dove la materia informe pulsa di emozioni. L’artista sviluppa quindi, accanto ad uno stile pittorico tradizionale, ricercato e raffinato, anche un’espressività fatta di puro colore, che riflette un’esigenza comunicativa diretta, non mediata dal disegno e dalle forme.

A cura di Simona Paladino

Associazione Culturale Ferrara Pro Art via del Turco 37a    44100 Ferrara   www.ferraraproart.com
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Giovanni Boldini

Una mostra dedicata al pittore Giovanni Boldini al Clark Museum di Williamstown nel Berkshires del Massachusetts:
dal 14 Febbraio al 25 Aprile 2010.

Durante la sua vita, il pittore italiano Giovanni Boldini (1842-1931) ottenne gran popolarità in Europa e negli USA, celebrato per i suoi ritratti e le colorate pennellate sulle sue tele. La carriera del pittore si forgiò a Parigi, ove visse e dipinse ritraendo le affollate strade parigine, i teatri, i paesaggi assolati delle campagne circostanti dell’area suburbana, con uno stile unico. La mostra dei dipinti dell’epoca Impressionista parigina inizia il 14 Febbraio nello splendido museo d’arte The Clark, situato nella cittadina collegiale ed elegante di Williamstown, nell’ovest dello stato del Massachusetts, sulle romantiche colline del Berkshires, a circa 200 km. ad ovest di Boston.

“La collaborazione con Ferrara Arte, che raccoglie il meglio delle opere pittoriche di Boldini durante il periodo ferrarese, ha contribuito a portare la mostra dall’altra parte dell’Atlantico”, come afferma Michael Conforti, direttore del The Clark. Chi ama Boldini ed il suo sguardo pittorico innovativo verso la Parigi impressionista, potrà quindi esplorare gli eleganti ambienti del The Clark ed ammirare i dipinti che ritraggono luoghi, intrattenimenti, svaghi e abitanti di un’epoca che vide i maggiori impressionisti allo studio a Parigi. Circa una settantina di tele su olio e schizzi sono il fulcro di Giovanni Boldini in Impressionist Paris, con ritratti della società parigina tra il 1890 ed il 1900. I lavori esposti alla mostra dimostrano il vasto interesse di Boldini nell’arte tradizionale ed innovativa, nei metodi storici  così come contemporanei. La mostra è organizzata su filoni di temi che illustrano paesaggi, scenari urbani, vita notturna e scene di genere, così come ritratti casuali o più formali. The Clark espone anche cinque lavori di Ernest Meissonier, Camille Pissarro, Pierre-Auguste Renoir, Edgar Degas e Edouard Manet per rendere evidente l’influenza dell’Impressionismo e di altri pittori sui primi lavori svolti da Boldini.

Il Museo The Clark è un gioiello del Berkshires e vanta la più vasta collezione di tele di Boldini negli Stati Uniti d’America. Sterling e Francine Clark – fondatori del The Clark – acquistarono il maggior numero di tele di Boldini durante la vita del pittore, molti di questi a Parigi quando entrambi lì vissero durante l’epoca di maggior successo del pittore italiano. Le opere esposte dal 14 Febbraio sono prestiti di collezioni private e museali, anche del Museo d’Orsay di Parigi e del Museo Giovanni Boldini di Ferrara. Il catalogo della mostra sarà eccezionalmente bilingue, inglese ed italiano; la versione inglese rappresenta la vera prima pubblicazione dedicata a Boldini da generazioni, contando 232 pagine con 134 illustrazioni a colori, e riferimenti importanti sulla trattativa tra Boldini e la galleria Goupil. La mostra dura fino al 25 Aprile 2010.

Il The Clark si trova in ambientazione rurale in circa 57 ettari di terreno nel Berkshires, ed è uno dei pochi musei importanti che serve quale centro internazionale leader nella ricerca e nella formazione educativa. Oltre alla straordinaria collezione d’opere, Il Clark organizza mostre atte a presentare nuove correnti, e programmi pubblici e d’aggiornamento. Nel 2008 il Clark intraprese un progetto d’espansione dell’edificio e del campus, realizzato da Tadao Anto, lo Stone Hill Center. Ora, ultimata questa prima fase, il museo sta procedendo con la seconda fase sempre curata da Tadao Anto, per realizzare nuove gallerie espositive, servizi per i visitatori, e spazi per riunioni e conferenze. Questa fase terminerà nel 2014 e comprenderà anche lavori di rinnovo dei locali negli attuali edifici, per mano di Annabelle Selldorf. Il Clark si trova al 25 di South Street a Williamstown e le gallerie sono aperte da Martedì a Domenica, dalle 10.00 alle 17.00, ed in Luglio ed Agosto ogni giorno della settimana. Gli adulti pagano l’ingresso dal 1° Giugno al 31 Ottobre; i ragazzi hanno accesso gratuito fino ai 18 anni. Così come gli studenti dietro presentazione di una tessera studentesca. Info: clark.edu

Visita il sito ufficiale di Giovanni Boldini
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Recensione di Giovanna Lacedra del 15 dicembre 2009

Se le tele di Vasarely vibrano, le sculture di Calder volteggiano…
Siamo nei primi anni Cinquanta.
Il dinamismo.
Il movimento,
Il continuo divenire.
La neutralizzazione della staticità.
Tutto questo entra a far parte delle nuove sperimentazioni artistiche.
Optical Art e Arte Cinetica sbocciano allora simultaneamente, dal medesimo, fertile terreno.
E se Vasarely confessa di avere un’ossessione per il movimento sin dalla tenera età ,
Calder, a sua volta, dichiara di rifiutare categoricamente la fissità della statuaria classica, e di ambire invece alla più leggera fluidità.

Entrambi ricercano nell’arte la mutevolezza.
E lo fanno nello stesso momento storico.

L’uno la indaga attraverso la pittura, partendo dalle radici dell’astrattismo;
l’altro, invece, la sperimenta svuotando la scultura dal peso e dalla fissità, mediante un linguaggio decisamente sovversivo. Avvicinando la scultura alla pittura. Rendendola quasi paragonabile ad un quadro di Mirò.

Alexander Calder nasce come ingegnere, ma insorge come scultore in modo alquanto paradossale:
smettendo di occuparsi di ingegneria, poiché contesta la civiltà della tecnica. E distanziandosi da ogni stucchevole tradizionalismo.
Pur sembrando, per queste sue contestazioni, un’inguaribile conservatore, della storicizzata scultura egli non desidera conservare nulla.
Ripudia il peso, la staticità, l’idea consueta di monumento scultoreo.
E confuta a pie’ pari tutte le antiche e consolidate regole dello scolpire.

Il peso della materia.
La stabilità della materia.
Il piedistallo.
Nulla più di tutto questo gli occorre.

La scultura non deve essere qualcosa di immobile.
La scultura deve vibrare, come una tela di Vasarely, deve danzare con la stessa aria che il fruitore respira; deve contenerla e attraversarla. Deve.

Il fulcro sostanziale della sua ricerca è il cinetismo.
La scultura deve conquistare il movimento.
La scultura deve essere lieve.
Non più ancorata alla terraferma, ma sospesa in aria…

È così che nascono, appesi ad un soffitto, I Mobiles.
La folgorazione avvenne in seguito ad una visita, presso lo studio dell’astrattista-razionalista Piet Mondrian. Osservare il suo modo di perseguire sintesi, ordine e purezza, suggerisce a Calder la possibilità di riportare quegli stessi elementi – la sintesi, l’ordine e la purezza – nella scultura, congiunti all’aria e al movimento.

I Mobiles, nati già negli anni ’30, si muovono “in maniera imprevedibile, senza alcuna forza meccanica di propulsione (…) la disposizione delle forme in un Mobile di Calder è sempre provvisoria, in quanto il rapporto dei vari elementi nello spazio cambia costantemente, la potenzialità dell’oggetto è determinata, naturalmente, da fattori quali, i punti di equilibrio, la lunghezza dei fili metallici e il peso delle flange.”
( Edward-Lucie Smit, da “Arte Contemporanea” – Ed. Rusconi).

L’imprevedibilità. La levità. Il cinetismo.
E di contro, quasi a voler costruire uno scherzoso paradosso, Calder progetta gli Stabiles, che inversamente ai Mobiles, non contemplano quasi alcuna parte mobile.
Soltanto leggerezza.

C’era stata, in passat una grandiosa retrospettiva dedicata all’artista.
Era stata allestita a Torino, nel 1983, dal grande Renzo Piano.
Oggi, invece, è possibile ammirare “Mobiles”, “Stabiles”, “Wire Sculptures” e alcune gouache a Roma, presso il Palazzo delle Esposizioni, visitando una mostra dedicata al padre dell’Arte Cinetica, dove la maggior parte delle opere esposte sono un gentile prestito della Calder Foundation di New York.

Andate a fluttuare nell’aria resa instabile da fili d’arte cinetici.

Alexander Calder
Palazzo delle Esposizioni, Roma
fino al 14 febbraio 2010

Per approfondimenti:
Palazzo delle esposizioni, Roma
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Biennale 2009

La settima edizione della Biennale di Firenze si svolgerà dal 5 al 13 dicembre 2009 nei locali espositivi della storica Fortezza da Basso. In questa edizione gli artisti partecipanti ed i visitatori avranno modo di incontrare, nell’ambito del ricco calendario di conferenze ed eventi collaterali, gli ospiti d’onore 2009: Marina Abramovich e Shu Yong.

Marina Abramovic presenterà alcune sue opere alla Fortezza da Basso e sarà protagonista di un incontro con il pubblico e gli artisti; Marina Abramovic sarà presente con i suoi video alla Fortezza da Basso in una mostra organizzata dalla Biennale. Shu Yong presenterà alla Fortezza da Basso alcuni dei suoi dipinti della serie “Chinese Myths”.

Gli Artisti della Biennale, provenienti da tutto il mondo, diversi per tradizioni etniche, linguistiche e religiose, trovano attraverso l’arte, il linguaggio comune per trasmettere i loro valori culturali. La Biennale, fin dal 2001 è partner ufficiale del programma delle Nazioni Unite “Dialogo fra le Civiltà”. Lo strumento d’azione di questo programma è il documento nel quale sono indicati i mezzi attraverso cui va promosso il dialogo. Fra questi si menzionano gli incontri tra esperti, intellettuali e artisti. La Biennale, partecipa al “Dialogo tra le Civiltà” con i suoi numerosi Artisti che da ogni parte del mondo giungono a Firenze a confrontarsi sul loro lavoro esprimendo una testimonianza di quei sentimenti di fratellanza, pace e solidarietà che rappresentano la base della convivenza civile tra i popoli.

Nell’edizione 2007 il premio Lorenzo il Magnifico è stato assegnato a Gilbert & George, nell’edizione 2005 a Christo e Jeanne-Claude e a Richard Anuszkiewicz, nel 2003 a David Hockney.

Visita il sito ufficiale della mostra

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Un grande evento promosso dal Louvre e dal Comune di Verona
27 novembre 2009 al  7 marzo 2010

Il Comune di Verona, primo e unico in Italia, con il sostegno del Ministero per i Beni e le Attività Culturali, ha sottoscritto un accordo pluriennale con il Musée du Louvre, che prevede la coproduzione di almeno due grandi esposizioni e lo sviluppo di una più ampia collaborazione, con l’obiettivo di estendere l’interesse del pubblico nei musei e incrementare la frequentazione delle risorse culturali veronesi da parte dei giovani. Mentre è avviata la preparazione di una grande mostra dedicata a Veronese, il Louvre e il Comune di Verona dedicano la prima iniziativa congiunta a Corot, uno dei maggiori artisti francesi nel secolo dell’Impressionismo, nella cui formazione hanno inciso profondamente i viaggi in Italia, considerato dai più come “l’ultimo dei classici e il primo dei moderni”. La mostra è la dimostrazione visiva di questa celebre affermazione, con un percorso espositivo di circa 100 dipinti, del maestro francese e degli artisti a cui si è ispirato o che ha influenzato, in un arco temporale di quattro secoli, da Poussin a Picasso.

La posizione di rilievo che Corot occupa nella pittura del XIX secolo è strettamente connessa con il suo ruolo di ponte tra tradizione e modernità. La sua particolare interpretazione del paesaggio trae ispirazione dal naturalismo europeo del Seicento. Nel percorso espositivo emerge progressivamente il suo stile sobrio e luminoso e si potrà comprendere come l’arte di Corot abbia profondamente influenzato non solo la prima generazione di impressionisti, ma a suo modo anche i fauves, i cubisti e l’arte astratta, in una qualità di rapporti e sfumature che saranno evidenziati dall’accostamento tra le sue creazioni e quelle di artisti come Monet, Renoir, Cézanne, Mondrian, Braque e Picasso, concesse in prestito dal Louvre, da altri musei francesi come l’Orsay e il Marmottan e da prestigiosi musei internazionali. La mostra è curata da Vincent Pomarède, direttore del di par timento di Pittura del Musée du Louvre e massimo esperto di Corot.

Visita il sito Ufficiale della Mostra
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Edizione 2008

Settima edizione dal 13 al 15 novembre 2009

“Dopo aver faticosamente attraversato la natural burella che collega l’Inferno alla spiaggia dell’Antipurgatorio, Dante e Virgilio alla fine contemplano lo stellato cielo notturno dell’altro emisfero: è un presagio del nuovo cammino di luce e di speranza dopo le tenebre precedenti, “come pura felicità dello sguardo”.

Si apre con il lirismo tipico della poetica dantesca la VII edizione della Rassegna della Microeditoria Italiana, manifestazione dedicata ai piccoli editori e divenuta ormai punto di riferimento importante per gli operatori del settore, ma anche e soprattutto per gli appassionati di lettura.

Tema dell’anno quindi, suggerito dall’aforisma dantesco. Simbolo di un forte desiderio di rinascita dopo la crisi economica, rappresenta anche la voglia di alzare lo sguardo al cielo, mentre in tutto il mondo si celebra l’Anno Internazionale dell’Astronomia.

Curata dall’Associazione Culturale l’Impronta, in collaborazione con il Comune di Chiari e il patrocinio della Provincia di Brescia e della Regione Lombardia, Consiglio Regionale della Lombardia e della Consigliera provinciale di Parità, la manifestazione ha luogo dal 13 al 15 novembre 2009, come sempre a Chiari, in provincia di Brescia, presso la bellissima cornice di Villa Mazzotti.

8.000 i visitatori che nell’edizione 2008 hanno partecipato, testimoniando il successo crescente di un evento che, di anno in anno, incuriosisce sempre di più il pubblico grazie alle proposte particolari, raffinate e di nicchia, che vengono offerte durante la tre giorni.

Il programma, come di consueto, prenderà le mosse dalla produzione dei piccoli e medi editori italiani per creare dibattito con grandi nomi della cultura nazionale Dibattiti e presentazioni di libri intervallati da appuntamenti musicali di altissimo livello sono il mix perfetto per un weekend d’autunno all’insegna della cultura e dell’arte, ma anche dello svago e dell’intrattenimento.

“Siamo convinti dell’importanza di continuare ad offrire al nostro pubblico un’alternativa concreta rispetto alle proposte tradizionali” dice Daniela Mena, responsabile Organizzativa della Rassegna, che si dichiara soddisfatta dei risultati raggiunti sino ad oggi e molto ottimista riguardo al futuro.

La Rassegna della Microeditoria, a partire da quest’anno, avrà anche una nuova veste grafica firmata da Armando Milani, nome storico della grafica italiana nel mondo. Dopo un sondaggio su facebook che ha visto un testa a testa all’ultimo voto fra il logo proposto dal giovane graphic designer bresciano Alessandro Chiarini e quello del grafico milanese, ha vinto il “pennino con passione” di Armando Milani, da un’idea proposta già per una copertina per un libro di poesie di Pablo Neruda.

La Rassegna della Microeditoria, rimarrà aperta durante tutti i tre giorni rispettando i seguenti orari: venerdì 13 novembre dalle 17.30 alle 22.00, sabato 14 dalle 10.00 alle 22.00 e domenica 15 novembre dalle 10.00 alle 20.00.

Il programma completo della Rassegna è disponibile sulle pagine del sito: www.rassegnamicroeditoria.it che fornisce inoltre informazioni per raggiungere Villa Mazzotti. L’ingresso alla Rassegna è gratuito e aperto a tutti.
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