The Tourist, scritto da Florian Henckel von Donnersmarck in collaborazione con Christopher McQuarre e Julian Fellowes,

GK Films presenta
in associazione con Spyglass Entertainment una produzione GK Films e Birnbaum/Barber
in associazione con Studiocanal un film di Florian Henckel von Donnersmarck

con Johnny Depp, Angelina Jolie

Prodotto da
Graham King, Tim Headington, Gary Barber,  Roger Birnbaum e Jonathan Glickman

Un’esclusiva per l’Italia
Rai Cinema
Distribuzione: 01 Distribution (sito ufficiale)

Sinossi

In The Tourist Johnny Depp è Frank, un turista americano che si innamora di una sconosciuta, restando coinvolto in una fitta rete di intrighi, passione e pericoli.  Durante un viaggio in Europa, dove si è recato per cercare di guarire il suo cuore infranto, Frank si invaghisce di Elise (Angelina Jolie), una donna affascinante che non incontra per caso. Sullo sfondo delle splendide città di Parigi e Venezia, la loro rocambolesca storia d’amore si trasforma in un gioco avventuroso e fatale.

GK Films presenta, in associazione con Spyglass Entertainment, una produzione GK Films e Birnbaum/Barber, in associazione con Studiocanal: The Tourist, diretto da Florian Henckel von Donnersmarck.  Il film presenta Angelina Jolie, Johnny Depp, Paul Bettany, Timothy Dalton, Steven Berkoff, Rufus Sewell e Christian De Sica.  Diretto da Florian Henckel von Donnersmarck, la sceneggiatura è stata scritta da Florian Henckel von Donnersmarck, Christopher McQuarrie e Julian Fellowes. Il film è prodotto da Graham King, Tim Headington, Roger Birnbaum, Gary Barber, e Jonathan Glickman, mentre i produttori esecutivi sono Lloyd Phillips, Bahman Naraghi, Olivier Courson e Ron Halpern.  Il direttore della fotografia è John Seale, ASC, ACS. Lo scenografo è Jon Hutman. Il montaggio è a cura di Joe Hutshing, A.C.E. and Patricia Rommel.  I costumi sono stati creati da Colleen Atwood, mentre la musica è opera di James Newton Howard.
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Domenico Procacci  presenta: ANTONIO ALBANESE in QUALUNQUEMENTE
regia di GIULIO MANFREDONIA

con
Sergio Rubini, Lorenza Indovina, Nicola Rignanese, Davide Giordano
con la partecipazione di Luigi Maria Burruano

Una produzione Fandango in collaborazione con Rai Cinema
www.fandango.it

IN SALA DAL 21 GENNAIO 2011
www.partitodupilu.it

LA STORIA

Perché Cetto La Qualunque torna in Italia dopo una lunga latitanza all’estero? E’ stata una sua scelta? O qualcuno trama nell’ombra? Con lui arrivano anche una bella ragazza di colore ed una bambina di cui non riesce a ricordare il nome: la sua nuova famiglia. Al ritorno in patria Cetto ritrova il fidato braccio destro Pino e la famiglia di origine: la moglie Carmen e il figlio Melo.
I vecchi amici lo informano che le sue proprietà sono minacciate da un’ inarrestabile ondata di legalità che sta invadendo la loro cittadina. Le imminenti elezioni potrebbero avere come esito la nomina a sindaco di Giovanni De Santis, un “pericoloso” paladino dei diritti. Così, Cetto, dopo una lunga e tormentata riflessione in compagnia di simpatiche ragazze, non ha dubbi e decide di “salire in politica” per difendere la sua città. La campagna elettorale può cominciare

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Articolo di Luca Ferrari del  1 marzo  2010

“Oltre questo luogo di collera e lacrime/ incombe solo l’orrore delle ombre/ eppure la minaccia degli anni/ mi trova, e mi troverà, senza paura/…Non importa quanto sia stretta la porta/, quanto piena di castighi la vita/. Son Io il signore del mio destino/. Son Io il capitano dell’anima mia”, Invictus, di William E. Henley (1849 – 1903).

Una poesia. Semplici parole. Lettere unite che hanno condensato i pensieri di un uomo rinchiuso nel carcere di Robben Island per quasi trent’anni durante il vergognoso apartheid nel Sudafrica. Lui era Nelson Mandela. Divenuto poi presidente della sua nazione.

Clint Eastwood, dopo i toccanti Mystic River (2003), Million Dollar Baby (2004). Lettera da Iwo Jima (2007) e Gran Torino (2008), scrive ancora grande cinema. Invictus, adattamento cinematografico del romanzo “Ama il tuo nemico”, di John Carlin, a sua volta ispirato al post elezione presidenziale di Mandela, e alla successiva edizione della Coppa del Mondo di rugby in Sudafrica (1995).

Mandela aveva visto giusto. Ha guardato in prospettiva. Senza pensare a se stesso. Non ha risposto all’odio con vendetta. Era il capo di una nuova nazione. E se il Sudafrica doveva cambiare, tutti dovevano farlo. A cominciare da lui, e dalla sua scorta fatta di persone bianche e nere.

C’erano poi gli Springboks. La squadra di rugby locale. Simbolo dei bianchi. Simbolo della discriminazione. Tutti quelli del partito di Mandela volevano cancellarla. Cambiare colori e cambiare nome. Mandela dice no. Tende una mano al capitano della squadra. La fa diventare popolare anche in mezzo alla povertà di colore. Di lì a un anno ci sarà la Coppa del Mondo di rugby.

Mandela già intuisce la possibilità di vedere festeggiare il popolo sudafricano per la vittoria (improbabile) della squadra. Tutti insieme. Così sarà. Emblematica l’immagine del ragazzino povero (nero) che si avvicina per ascoltare la finale per radio. Prima viene cacciato via. Poi i tassisti (bianchi) lo fanno sedere insieme a loro. Gli offrono una coca cola, e alla fine, al momento del successo, viene portato in trionfo.

Questa è una storia che i libri non raccontano. Le battaglie degli uomini pacifisti vengono ignorate dalla storiografia nello studio fino ai diciott’anni, plasmando così le nuove menti nell’ottica che la guerra è l’unica strada che attende l’umanità.

Invictus non è un film sullo sport. Invictus racconta un aneddoto sulla vita di due persone, il presidente del Sudafrica, Nelson Mandela (Morgan Freeman) e il capitano della squadra di rugby, Francois Pienaar (Matt Damon), più oltre quaranta milioni di loro.

E il capitano lo capisce bene. Una squadra che in altre cento occasioni avrebbe probabilmente sempre perso con i colossi All Blacks neozelandesi. Non quel giorno. Non in quel momento storico. “Il destino ci sta chiamando” dice il capitano al resto della squadra nei tempi supplementari della finale, quando sono ancora sotto di tre punti.

Incominciamo a domandarci allora se potrebbero ancora esistere uomini simili. Durante le Olimpiadi 2008 di Pechino è stato proibito anche solo pronunciare le parole “diritti umani” poiché palesemente violati in Cina. Non c’è stato nessuno, né atleta né governo, che si sia ribellato.

Sono andato a vedere Invictus. Si vede raramente la coda al cinema Giorgione di Venezia. Lo ricordo per la prima di Fahreneit 11/9, di Michael Moore, quando la pellicola vi venne proiettata l’indomani della presentazione ufficiale alla Mostra del Cinema 2004. Alla fine di Invictus, il pubblico ha applaudito.

Sono uscito dal cinema. Provato. Deciso. E mentre dividevo un caldo kebab insieme a una persona speciale, con l’acqua alta che cominciava a salire, ho fatto mie/universali le parole di Henley: “Nella feroce morsa delle circostanze/ non mi sono tirato indietro né ho gridato per l’angoscia/. Sotto i colpi d’ascia della sorte/ il mio capo è sanguinante, ma indomito”.
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Articolo di Luca Ferrari del  26 febbraio  2010

“Finché non smetteremo di batterci per le briciole, resteremo miseri dipendenti di un sistema schiavista che svezza automi sostituibili. Finché continueremo a voltare le spalle a qualsiasi gesto d’esistenza ribelle, non saremo diversi dagli assassini cui rivolgiamo qualche sfuggente pensiero di disprezzo”…

Dal cinema Astra del Lido, in una lontana domenica 15 marzo 1998, a giovedì 25 febbraio 2010 nel cinema Excelsior di Mestre (VE), sala 3. Queste due date hanno in comune lo stesso regista dietro la macchina da presa: James Cameron. Da Titanic ad Avatar. Due megaproduzioni. Il primo fece incetta di premi oscar (11, tra cui miglior film e miglior regista), il secondo ha ottenuto nove nomination (fra cui miglior film, regista, fotografia, montaggio) nella cerimonia che si terrà a Los Angeles domenica 7 marzo 2010.

Avatar sembra una parola magica. Un qualcosa da gridare per darsi la carica. Per dire “no” a un potere che ti vuole schiacciare, e opprimere. Ce n’è bisogno. Eccome se ce n’è bisogno. Nel 2010 il mondo è ancora un sistema distorto pieno di dittature, soprusi, violenze, criminali e sfruttamento.

La pellicola, distribuita dalla 20th Century-Fox dal 15 gennaio scorso, narra la storia di un ex-marine (Jake) finito su una sedia a rotelle, che prende il posto del fratello (deceduto) in un programma di sfruttamento energetico a Pandora, luna del gigante gassoso Polifemo, appartenente al sistema stellare Alfa Centauri. Qui, attraverso il programma Avatar, la mente di Jake entra in possesso di un corpo biologico degli autoctoni, i Na’vi.

Disperso in un’operazione, sarà salvato da Neytiri, guerriera Na’vi. La giovane colpisce subito per la sua prima frase, “Non ringraziare per questo. Questo è triste”, riferendosi alle bestie appena uccise per salvarlo. Una lezione di rispetto che l’essere umano ha ormai sempre più perduto.

Jake, dall’iniziale missione di studiare i Na’vi (col fine ultimo di scacciarli per lasciare libero campo ai terrestri di accaparrarsi l’unobtanium, un cristallo che risolverebbe i problemi energetici), prenderà le loro difese facendo di tutto per salvarli, fino allo scontro finale.

La storia non brilla certo per originalità. La potremmo definire la versione futuristica di “Balla coi lupi” (1990) con notevoli effetti speciali. Sono passati vent’anni esatti dalla pellicola diretta da Kevin Kostner, eppure molti popoli continuano a subire le invasioni di militari economisti senza scrupoli.

Popoli interi, e singoli cittadini. Sfruttati nella loro vita. Qui in Italia abbiamo iniziato a far entrare nel nostro vocabolario parole come mobbing, stalking. Di pedofilia e violenza sulle donne se ne parla solo quando si può vendere qualche copia in più di un giornale. Il mondo è sempre più un posto fatto per mercenari di giorni ed emozioni.

Sarebbero la minoranza. Sono la minoranza. Ma il popolo tace. Qualche giorno fa un’amica ha scritto una lettera collettiva. Ero già pronto a cestinarla. Poi mi sono reso conto che si meritava molto più di una risposta. Una sua frase mi ha colpito quando ha parlato di “normale vita lavorativa in un paese democratico”.

Ma noi non lo siamo. L’Italia non è una democrazia. Certo, non siamo a livello di Birmania, Cina o Russia, ma cosa mi posso aspettare da uno stato che non è nemmeno ciò che scrive la sua Costituzione? La sovranità non appartiene al popolo, e tanto meno è una repubblica fondata sul lavoro.

Dimentichiamo gli eroi senza nome (la gente comune falciata senza pietà) troppo presto. Le nostre coscienze si sono appisolate nella concezione che è meglio alzare la voce senza scomodarsi in prima persona. In mancanza di una rivoluzione, ci siamo ridotti a lottare per le briciole.

Pensi che possa esistere un’unica cosa per cui valga la pena lottare? Il più forte ha sempre mangiato il più debole, e tutti lo abbiamo accettato. Forze squilibrate. Armi da fuoco contro archi. Su Pandora come nel Pianeta Terra. Vigliaccheria contro coraggio.

Ciao cari. Non lo udirete il mio messaggio. Lo vedrete arrivare da tutte le direzioni.

SIto ufficiale:

http://www.avatarilfilm.it
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Articolo di Luca Ferrari del  29 gennaio  2010

“E poi stasera c’è la mia amica luna. Se puoi. Guarda su”. Sarà anche vero. Risplenderà anche da qualche parte, ma da qui per ora non si vede nemmeno uno spicchio. C’è solo una grande onda causata dal passaggio di un ferry-boat, che fa rallentare il battello. Non c’è nulla di anomalo in questo per uno che abita a Venezia. Per uno appena uscito dal cinema Astra dell’isola del Lido, e ritorna a Venezia. E ha quaranta minuti scarsi per scrivere.

Non inizierò coi protagonisti. Coi nomi e le gesta dell’ultima pellicola di Gabriele Muccino. “Baciami ancora”. Ricordo alcune frasi di questo film appena finito. Quelle che ho scritte al buio. Mentre nella più piccola delle due sale, ascoltavo. E davanti a me di due file c’era una coppia di giovani innamorati. E una sedia e una fila, sulla mia destra c’era una signora con lo zaino del figlio. E sulla sinistra a lato, un anziano che non la smetteva di borbottare. E alle mie spalle, quasi solo donne. Mentre adesso. Sulla prua del battello n. 52, è entrata una giovane mamma orientale con la figlia.

“Qualcosa di buono lo fai solo se realizzi i tuoi sogni”. Poi, quella frase finale detta da Carlo/Stefano Accorsi, “Moriamo quando non riusciamo a mettere radici”. Poco altro. Qualche mio appunto ispirato. “Solo i bambini sanno davvero perdonare”. E poi, una parola incomprensibile sommata a “di essere vivi.”

Muccino, a differenza di molte commedie nostrane brave solo a mettere in piazza i luoghi comuni italiani senza nulla di più, fa pensare. Ero convinto d’altro. Di un finale buonista che mi avrebbe fatto irritare. Non è stato così. Il regista ci fa immaginare il nostro futuro in tutte le sue strade possibili. Un nuovo inizio. Una fine tragica. Un ritorno. Le lacrime, e la voglia di credere ancora di potere essere felici. Ma perché ho l’impressione che ci crediamo tutti così poco?

Muccino ci aveva lasciato con un gruppo di trentenni infelici (L’ultimo bacio, 2000). All’epoca avevo solo 24 anni. Adesso ne ho 33. I protagonisti invece, nel 2010 ne hanno quaranta. Un inevitabile confronto. Qua non ci sono i sorrisi sornioni di qualche pirata spiritato a me molto caro, o la gloriosa animazione di un cavallo in lotta per la riconquista della sua libertà all’inizio della colonizzazione del West da parte degli europei, mentre su nel cielo un falco travestito da aquila bianca disegna mete lontane.

Anzi, c’è tutto questo. Perché batte dentro di me. Quando mi sono vestito in fretta per andare al cinema, ho lasciato le scarpe da ginnastica. Sentivo che alla fine avrei avuto bisogno di qualcosa di più resistente, anche se con spifferi. Dicasi anfibi. Quegli stessi con cui dal 2001 ho solcato nuvole e calpestato terre lontane. Dalla Pennsylvania alla Bosnia. Dall’India a un’esperienza biennale lavorativa a Firenze, poi conclusasi nel peggiore dei modi.

Quelle suole sono ancora addosso a me. Anche ora. Mentre una struttura di ferro mi tiene al riparo dall’acqua sulla laguna veneziana. E continuerò a scrivere finché non sarò smontato. Poi farò un grosso respiro e guarderò ancora la notte. Cercherò di regalare un pensiero ad ogni essere umano che ho conosciuto, senza soffermarmi su scontati essere gelatinosi mentali in lotta con il fango.

“Baciami ancora”. Un’affermazione. Una domanda. Quello che vogliamo. Una corsa con cui solo noi possiamo capire cosa vogliamo saltare. Nessuna filosofia temporanea. Non le ho mai sopportate. Non ci ho mai creduto. “Baciami ancora”. I volti impazziti di un gigante dalle lacrime adatte per ogni atto eroico.

“Baciami ancora” sono gli occhi devastati di Livia (Sabrina Impacciatore). La verità accettata di Giulia (la new entry Vittoria Puccini, al posto della dimissionaria Giovanna Mezzogiorno). La comprensione d’altri tempi di Marco (Pierfrancesco Favino). L’amore paterno di Carlo (Stefano Accorsi). Il cuore sghembo e troppo fragile di Paolo (Claudio Santamaria). La seconda chance di Adriano (Giorgio Pasotti). Il viaggio senza apparenti strisce pedonali di Alberto (Marco Cocci).

…E poi, una parola incomprensibile sommata a “…di essere vivo/a”. Tu. Cosa ci scriveresti fino ad ora?…

Baciami ancora (trailer ufficiale) da YouTube

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Articolo di Luca Ferrari del  27 gennaio  2010

Ogni giorno una nuova destinazione. Ogni mattina una città nuova. Ogni sera una camera d’albergo pulita. Poco importa se chi ci troveremo di fronte nel lavoro, non avrà un bel ricordo della nostra faccia. La vita scorre così. Sopra le nuvole. Senza l’onere e l’onore di legami sentimentali. Con il trolley sempre in mano, a debita distanza da ogni intrusione umana.

Sistemato il lavoro, dopo le sale cinematografiche del Lido e Mestre, il mio terzo film di gennaio sul grande schermo me lo gusto al Giorgione di Venezia. Dicasi “Tra le nuvole” (108’, Up in the air), la nuova commedia (agrodolce) di Jason Reitman, già dietro la cinepresa per “Thank You for Smoking” (2005) e “Juno” (2007).

Il film, presentato in anteprima al Festival del Cinema di Roma 2009, e distribuito dalla UIP (United International Pictures),vede protagonisti il premio Oscar George Clooney (The Peacemaker, Ocean’s eleven, Good night, and good luck), Vera Farmiga (The Manchurian Candidate, The Departed), la giovane Anna Kendrick (la Jessica di Twilight e New Moon) e Jason Bateman (Mr Magorium, Hancock, State of play).

Clooney è Ryan Bingham, un “tagliatore di teste” aziendale. Perfezionista del suo bagaglio in modo da superare agevolmente ogni check-in. Ha un sogno nel cassetto. Arrivare a dieci milioni di miglia su nel cielo, ed avere l’onore di vedersi seduto al suo fianco il pilota dell’aereo.

Ma i tempi cambiano, e Ryan se la dovrà vedere con la giovane Natalie Keener (Anna Kendrick) che rivoluziona il modo di licenziare, senza utilizzare costose trasferte. Ryan sente il proprio mondo in pericolo, col rischio di dover cambiare radicalmente vita e diventare stazionario.

Nemmeno l’incontro con Alex Goran (Vera Farmiga), apparentemente come lui nel modo di vivere, sembra avere ripensamenti. “Sono come mia madre” spiega a Natalie, “Mi affido agli stereotipi. Si fa prima”. Eppure, sarà proprio la rampante (e inesperta) collega a dare una lezione sui sentimenti al collega più grande. Una ragazza che vuole far carriera, ma che non ha paura di piangere in pubblico perché il suo ragazzo l’ha lasciata, e che dice “M’immagino donna in carriera di giorno e mamma di notte”.

Aldilà dell’indubbia piacioneria del protagonista, la commedia appare un film già visto, ricalcando non poco le avventure di Miles Massey, sempre interpretato dal bel George nella commedia “Prima ti sposo…poi ti rovino” (2003, Intolerable Cruelty) dei fratelli Cohen, dove Clooney interpretava la figura dell’uomo di successo (avvocato divorzista) senza legami. Ma se Joel ed Ethan proponevano al pubblico l’happy end, Reitman ci regala più realismo.

“La vita è meglio in compagnia”. Lo ammette lo stesse Ryan, quando cerca di rincuorare il futuro marito della sorella minore. Ma sarà così anche per lui? Quanta gente è sposata senza essere felice, e quanti solitari vivono nel proprio castello di carta? Ogni scelta ha il suo zaino pieno. E chi crede al mito della convivenza senza sbavature o alla favola del solitario che sa gioire solo della strada e del tramonto, è un illuso/a.

Entrato nella sala, pochi secondi prima che le luci si spegnessero, tra il pubblico erano entrate due donne. Una mi sembrava di conoscerla. Si siedono nella parte opposta da me. Non controllo. Poi alla fine della proiezione, vado nella loro direzione, ed avevo visto giusto. Strana sensazione. Adoro il buio del cinema, ma nessuno me l’avrebbe comunque tolto, anche se avessi avuto compgnia.

Ci salutiamo. Qualche battuta sul film. Riesco a scomparire di nuovo per aver perso il cappello. Corro di fuori e le ritrovo ancora. Un altro sincero abbraccio e poi le strade si dividono di nuovo per tornare a casa. Cammino veloce. Non ho sonno, e non è il freddo. Guardo qualche nuvola irraggiungibile da tutti i camini. Vengo attraversato da miliardi di pensieri. Forse non ho ancora capito dove voglio andare…

Tra le nuvole (trailer italiano) da YouTube

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Articolo di Luca Ferrari del  1 dicembre 09

La purezza diventa vanità. L’ingenuità si fa potere. Lo sguardo diventa dannazione. Le cicatrici si mimetizzano con carezze di sangue nascoste. Il romanzo del passato, tragico veggente della schiavitù mentale del presente. Venerdì 27 novembre, è uscito sul grande schermo, Dorian Gray (113’, drammatico), di Oliver Parker, distribuito dalla Eagle Picture.

Dorian Gray (Ben Barnes, l’affascinante Principe Caspian nel secondo capitolo della saga delle Cronache di Narnia) è un giovane ingenuo che fa ritorno nella casa del nonno, dopo che questi è spirato. A fargli da guida nella metropoli è dapprima il pittore il pittore Basil Hallward (Ben Chaplin, il John di Birthday girl a fianco di Nicol Kidman), e soprattutto il cinico Sir Henry Wolton, il cui volto è dato dal sempre bravo Colin Firth (L’importanza di chiamarsi Ernest, Love actually, Bridget Jones).

Nell’alta società sono tutti stregati dalla bellezza di Dorian, e Basil lo vuole dipingere a tutti i costi. Ne fa un capolavoro. Ma da un discorso come tanti, il giovane Gray ammette con candore che sì, venderebbe la sua anima in cambio della gioventù eterna. Il film, tratto dall’immortale romanzo di Oscar Wilde, “Il l ritratto di Dorian Gray”, colpisce non poco per la contemporaneità del messaggio .

Dorian si fa trascinare da Henry nei vizi e nella passione di lussuriose prostitute. Ma come spesso succede, l’allievo supera il maestro. Se i lineamenti dell’amico più anziano non solo cedono al tempo, ma la società stessa che disprezza lo porta a rinunciare a un viaggio per la nascita del figlio, Gray esplora, conquista e gode. E fa soffrire. Intanto però, il dipinto cambia volto. E ogni peccato commesso, ogni ora in più trascorsa, si riflette sul suo ritratto lasciandolo nel reale, intatto. Un fresco ventenne.

Quando Dorian fa ritorno in Inghilterra, è ancora bello come il giorno del suo arrivo, e puro (nell’aspetto). Le voci però iniziano a circolare. Perchè non invecchia mai? Ma tutta l’ipocrisia colpirà anche Sir Wolton, bravo a plasmarlo secondo le sue idee, ma riluttante nel vedere che la sua creatura finisca nelle braccia della figlia Emily, interpretata da Rebecca Hall (la Vicky di Vicky Cristina Barcelona).

Dorian Gray, metafora del contemporaneo dove si cerca con frenesia la ricetta per fermare il tempo e mantenere intatta la bellezza giovanile. Non servono forse a questo la liposuzione, le creme per ringiovanire e tutto quella martellante pubblicità (diretta e indiretta) che c’impone che possiamo (e dobbioamo?) far tornare indietro le lancette dell’orologio?

“Hai le sole due cose che vale la pena avere: bellezza e giovinezza” dice Henry a Dorian all’inizio della storia. Siamo sicuri che nel profondo del nostro io, non la pensiamo anche noi così? Desideri inconfessabili trovano nel conformismo la loro prigione immortale. Dove abbiamo nascosto il nostro dipinto? E tu, sei proprio sicuro/a di non avere già venduta l’anima?

Dorian Gray,  trailer italiano da YouTube
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Articolo di Luca Ferrari del 2 dicembre 09

Vampiri. Licantropi. Natura selvaggia. Romanticismo, Gli ingredienti ci sono tutti per chiudersi nell’oscurità di un cinema, con la stagione invernale fuori che se la spassa, e lasciarsi contagiare da brividi e suggestioni. In altre parole, è il momento del secondo capitolo della saga di Twilight (tratto dagli omonimi libri della scrittrice statunitense Stephenie Meyer): New Moon.

Il primo capitolo di Twilight è stato un successo planetario. Inevitabile che il seguito si sia caricato di eccessive aspettative, e i due protagonisti, Edward Cullen (Robert Pattinson) e Bella Swan (Kristen Stewart), siano diventati i simboli dell’amore di nuove generazioni. Novelli Romeo e Giulietta senza famiglie oppressive. Appartenenti solo a mondi diversi.

E’ un amore sofferto che inizia con un addio cui nessuno vuole, in maniera diversa, credere. Una lontananza quasi necessaria. Bella cerca così una dimensione di normalità, ma quando si accorge che dinnanzi al pericolo il suo vampiresco amore le si presenta davanti, farà di tutto per cacciasi nei guai, anche salire in moto con un alticcio biker poco raccomandabile.

Ad aiutare a far dimenticare il pallido Edward, ci pensa l’amico Jacob (il giovane Taylor Launter), che presto si scoprirà nascondere un analogo segreto (dicasi, licantropia). A dir poco ridicolo il fatto che il neo-ragazzo lupo sia quasi sempre a dorso nudo, solo per ostentare al pubblico femminile i suoi bicipiti. Molte donne si sono messe a ridere in sala, dopo che Bella era volata giù dalla moto e l’amico (innamorato di lei), per tamponarle la ferita sulla testa, si leva la maglietta.

Notevoli gli effetti speciali. Nel biancore della carnagione di Bella si configura tutta la malinconia di una ragazza ben più matura della sua età, e già molto lontana da un giro di shopping con le amiche, o dal classico cinema e pop-corn da vedere con il coetaneo pretendente.

La bellezza di un amore per cui lottare e combattere fa presa tanto nei giovani alle prime esperienze sentimentali, quanto a più grandicelli, spesso insoddisfatti della propria relazione. Questa storia lascia qualcosa. Bella è pronta a sacrificare la sua “mortalità” per non perdere l’amato. E lui, è pronto a farsi volontariamente uccidere da altri vampiri quando crede che l’amata sia trapassata.

Bella insiste a voler farsi mordere. Vuole diventare un vampiro come Edward, e questo forse le costerà l’amicizia con Jacob, ma le darà pace (e gioia) al suo cuore tormentato.

trailer Italiano – The Twilight Saga: New Moon – da YouTube
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UNO SPECIALISTA di film d’azione, Tony Scott, dietro la macchina da presa; due attori forse un po’ imbolsiti ma sempre capaci di richiamare il grande pubblico, Denzel Washington e John Travolta; un cast di caratteristi di lusso, che comprende John Turturro e l’ex Tony Soprano James Gandolfini. E’ con queste credenziali che Pelham 1 2 3 – Ostaggi in metropolitana sbarca nelle sala italiane.

Tratto da un romanzo di John Godey, già adattato per il grande schermo nel 1974 (protagonisti Walter Matthau e Robert Shaw), il film porta la vicenda originale nella nervosa e sempre più frenetica New York di oggi. Lo svolgimento avviene secondo il classico meccanismo del gatto e del topo, come il titolo italiano fa già intuire. Il coraggioso di turno non è un poliziotto, ma un dipendente della metropolitana, Walter Garber (Denzel Washington), che si trova alla prese con il dirottamento di un treno sotterraneo. Deciso da un gruppo di criminali capeggiati da Ryder (John Travolta), ex broker uscito di galera.

Una situazione all’insegna dell’alta tensione in cui Garber non solo deve tentare di risolvere la situazione, sfruttando la sua conoscenza della metropolitana; ma deve anche tentare di rispondere al seguente quesito: se i banditi chiedono un riscatto e vogliono ottenerlo, come pensano di uscire da un sistema chiuso come quello in cui si sono consapevolmente infilati?

Elementi non nuovi, certo, mescolati da uno specialista come Tony Scott. “Rispetto al precedente film, potremmo definire il nostro un Pelham 1 2 3 con gli steroidi – ha dichiarato Travolta, finito sui giornali nelle ultime settimane per il suo crollo emotivo seguito alla morte del figlio – un’avventura molto intensa, carica e assolutamente contemporanea”. Quanto al ruolo, l’attore si è detto assolutamente entusiasta di aver potuto interprate il cattivo: “E’ un processo liberatorio – ha spiegato – con un personaggio così puoi creare molte sfumature e un’ampia gamma caratteriale. Io posso essere scatenato, calmo, pazzo, affascinante o qualsiasi altra cosa desideri. I buoni, invece, sono limitati”.

E il buono, in questo caso, è incarnato da Denzel Washington. Uno che ha lavorato con Tony Scott in ben tre occasioni precedenti: Deja-Vu, Man on fire e Allarme rosso. Per lui, dunque, nessuna difficoltà a calarsi per l’ennesima volta nel ruolo dell’eroe. Aderendo allo stile e all’adrenalina tipici del regista.

Clicca qui per vedere il video incorporato.

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Travolgente. Comico. Avventuroso. Romantico. I protagonisti del più strampalato branco mai comparso prima sul Pianeta Terra sono tornati nel nuovo film “L’Era Glaciale: L’alba dei dinosauri” (titolo originale: Ice Age: Dawn of the Dinosaurs).

Venerdì 28 agosto, il film (94′), prodotto dai Blue Sky Studios di New York e distribuito in Italia dalla 20th Century Fox, è finalmente sbarcato anche nelle sale cinematografiche nostrane. Durante l’estate, proprio la Fox in collaborazione con Iperbole Group, ha realizzato un tour di promozione della pellicola nelle più celebri località balneari italiane con un’anteprima presentata (con molto successo) in occasione dell’Ischia Global Film Festival.

È sabato sera nella laguna veneziana. Un vento freddo finalmente ha spazzato via l’umidità intollerante delle ultime settimane. Faccio i miei calcoli e penso che andando in seconda serata, non troverò troppa gente. Mi sbaglio alla grande. Arrivo mezz’ora prima dell’inizio della proiezione, proprio quando gli spettatori dello spettacolo precedente stanno uscendo. Una gigantesca orda di allegria irrompe nel mio quadro uditivo.

Non è finita. Il tempo di accomodarmi nel mio posto prediletto, e nel giro di una ventina di minuti, la sala si riempie come un uovo (di dinosauro, ovviamente). Una fiumana composita prende posto attorno a me: ancora bambini, accompagnati dai genitori vista l’ora (h. 21.30), adolescenti (tanti) e cinefili di tutte le età. Accade questo nella sala del cinema Astra del Lido, a pochi giorni dall’inizio della 66° edizione della Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia.

Si spengono le luci.

Gli anni passano. Manfred il mammut è alle prese con le ansie da futuro padre (la sua cara Ellie è incinta), Diego la tigre perde qualche colpo nell’inseguire gazzelle e viene pure sbeffeggiato da una di queste, Sid è il solito logorroico combinaguai che finisce col diventare la mamma adottiva di tre tirannosauri appena nati. Con loro, i travolgenti fratelli di Ellie, gli opossum Eddie e Crash, e lo scoiattolo Scrat, alle prese questa volta, oltre che con la sua adorata ghianda, con la dolce (e diabolica) Scrattina.

Il film scivola che è un piacere. Le battute accendono l’ilarità del pubblico. Seppur il secondo capitolo (L’era Glaciale: il Disgelo) non avesse troppo convinto, questo terzo episodio ha una marcia un più. Sid viene scoperto dalla mamma tirannosauro dopo averle rapito i suoi tre figli (creduti abbandonati) e viene così portato in un mondo setteranno dove i dinosauri non sono per niente estinti.

“Prima salveremo Sid, e poi lo ammazzerò” dice un Manfred seccato, nel momento di partire per questo pericoloso viaggio per aiutare l’amico. E a quel punto, scatta la sorpresa. La celata new entry. Buck, un temerario (e pazzo) furetto, con una benda (di foglia) sull’occhio destro che li guiderà nella nuova realtà alla ricerca di Sid.

“Quando sei diventato pazzo?” chiede Manfred a Buck. “Tre mesi fa. Mi ero appena sposato con una banana”, la risposta del simpatico animale, stravagante come capitan Jack Sparrow, e doppiato dal romano Massimo Giuliani che torna così all’animazione dopo essere stato per anni la voce del mitico coniglio Bugs Bunny.

Oltre ai tanti e importanti ruoli di doppiatura, per tutti Giuliani viene ricordato nel personaggio di Ciro, interpretato nella serie cult anni ‘80 “I ragazzi della 3ª C”, dove vendeva gli oggetti più inutili all’ingenuo Bruno Sacchi (Fabrizio Bracconeri). Celebre il suo motto: “Stai in una botte de fero”.

Tornando all’animazione, la storia è avvincente. Durante la ricerca di Sid, nel frattempo diventato amico della mamma dinosauro, il branco, fra piante carnivore e altri pericoli, se la dovrà vedere con un terribile tirannosauro bianco, nemico giurato di Buck, il cui pugnale è proprio un dente della bestia presitorica. Nella ricerca, mentre Manny e Diego difendono la mammut da altre pericolose minacce, viene alla luce la piccola Pesca (la scelta del nome è la parola in codice scelta da Menny per indicare il parto imminente).

Il pubblico ha risposto entusiasta, regalando pure applausi alla fine della proiezione, con molti già ad auspicare qualche nuova avventura di tutta la banda, e addirittura lo spin-off di Buck. Se il branco più strampalato dell’Era Glaciale torna in superficie, Buck, tentato in un primo momento, risentendo l’urlo del pericoloso mammifero ancora vivo, decide di restare giù e continuare la sua lotta solitaria.

Non resta che prendere posto e godersi il più grande evento degli ultimi due milioni di anni. E mi raccomando: nessuno muova un muscolo…

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