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Il primo  Vernissage di Daisy Lo Art si è svolto al  SempiONE Cafè di Milano

Milano 7/10/2011

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Mostre arte a Legnano. Auguste Rodin : Le origini del genio (recensione di Giovanna Lacedra)

AUGUSTE RODIN: LE ORIGINI DEL GENIO
La veemenza e l’indomabilità.
Nell’amore come nell’arte.
Questo era Auguste Rodin.
Un concitato Michelangelo del diciannovesimo secolo.
Uno scultore impressionista.
Un uomo, un amante, un  maestro.
Un genio.
L’amore per la scultura equivaleva
all’amore per una donna:
passionale,
impavido,
fervido,
zelante,
e – non di meno – poetico.
Il marmo era per lui come Camille:
tenace, resistente, puro, prezioso, e quasi –
quasi – insgretolabile.
A patto di non compiere il colossale errore
di dare una scalpellata di troppo.
A quel punto anche una donna,
che pare esser stata scolpita in una materiale eterno,
può disfarsi in briciole,
come una statua di marmo
spinta giù dal piedistallo.

Ma qualcuno a suo tempo sibilò: “ Auguste non ha amato che lei…”.
Non ha amato che lei.
Ma lei, chi?
Lei, l’arte? O lei…Camille?

Congetture irrisolvibili. Materia per storici, teorici o inguaribili romantici.

E non è forse un caso che ad un materiale duro come il marmo, Rodin preferisse la duttile e plasmabile argilla.
Una donna da plasmare, non è forse più comoda, di una scolpita in un materiale eterno…come può essere il marmo?

“Pensava in argilla…”, disse di lui Rudolf Wittkover.

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Gluts di Robert Rauschenberg

A VARESE SONO IN MOSTRA GLUTS DI ROBERT RAUSCHEMBERG

La figura di Robert Rauschemberg è collocabile in quel periodo dell’arte postbellica statunitense, incastonato  tra l’Espressionismo Astratto e la Pop Art: il New Dada.

Nativo del Texas, avrebbe dovuto realizzarsi come farmacista se non avesse deciso di abbandonare l’università al primo anno di corso, per arruolarsi prima in Marina, e decidere poi di frequentare i corsi dell’Istituto d’Arte di Kansas City.
Era il 1947.
Dopo l’istituto d’arte, fu la volta dell’Académie Julian  di Parigi, e del matrimonio con Susan Weil.
Si spostò poi nel North Carolina, dove seguì, senza una vera continuità, i corsi di  Josef Albers
Ma i suoi  White Paintings e Black Paintings (era ancora concentrato sulla pittura, e sedotto dall’Espressionismo astratto) nacquero  soltanto agli inizi degli anni Cinquanta.

Ma a quando risalgono, invece, i noti  “Gluts”? E di cosa si tratta, nello specifico?
“Glut”, in italiano significa “eccesso”.
I Gluts sarebbero dunque degli eccessi, delle forme che vanno oltre, delle presenze che debordano.
Si tratta di composizioni risalenti ad un periodo assai recente della sua produzione, e che va dalla seconda metà degli anni Ottanta alla metà degli anni Novanta.

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Victor Vasarely

Recensione di Giovanna Lacedra del 8 dicembre 2009

Il percetto non viene a raccogliersi sulla retina;
non si ferma nitidamente sul nostro campo visivo.
Non è quiete. È azione.
Non mero godimento estetico. Ma provocazione.
Il percetto scherza con l’occhio. Lo seduce, lo stuzzica.
Avanza e retrocede, in una forma che cambia forma.
Si gonfia e poi sgonfia.
E’ concavo e poi convesso.
Si tende o è genuflesso.
È un’entità viva e ammiccante.
Il percetto vibra.
Pulsa. Fa.
Ed è… forme mutevoli. È movimento nella bidimensionalità.
È inganno e astuzia. È scaltra provocazione.
È cinetismo nella stasi, sul più tradizionale dei supporti: la tela.

Il percetto è reso elastico e fremente da reticolati geometrici,
da forme precise e cromie digradanti.
Il percetto è un’onda di gradazioni cromatiche e tonali.
È una danza perpetua. Una spinta insistente.
È un’instabile attesa.

Qualcosa fermerà qualcosa?
Probabilmente no.
Perché la scommessa di Vasarely nasceva appunto qui, in questa possibilità di rendere l’opera d’arte dinamica e riproducibile, espansa e ricreabile…
“..l’avvenire ci riserva la felicità della nuova bellezza plastica mutevole e commovente..”
(Manifeste Jaune – 1955).

L’avvenire.
Una sorta di orizzonte utopico.
Un desiderio inafferrabile, per lui, che soleva ripetere – e ripetersi – di esser nato nel secolo sbagliato. Troppo presto per poter dare piena vita e piena forma alla sua concezione dell’arte. Troppo presto per poter vedere realizzata la sua idea di arte mutevole e capace di forgiarsi elasticamente sulle trasformazioni della società.

“Mi figuro che intere mostre saranno semplicemente proiettate su parete. Avendo a disposizione le diapositive delle principali opere d’arte, potremmo organizzare ovunque senza grande fatica e dispendio di denaro gigantesche esposizioni. Sarebbero sufficienti pochi giorni per inviare tutta una retrospettiva in un pacchetto postale in qualunque punto del globo.” (Vasarely – 1985)

L’avvenire.
Era meta delle sue sperimentazioni artistiche.
Sperimentazioni forti di quell’idea di base dell’astrattismo, secondo la quale la bellezza universale è raggiungibile unicamente attraverso un’armonia di forme semplici e colori elementari.
E così, Victor Vasarely, dopo un breve periodo di adesione al movimento De Stijl di Mondrian, scelse Parigi per dar voce alle sue idee.
Era il 1930.
Le sperimentazioni con la forma e con il colore avanzarono inarrestabili, nonostante le tensioni politiche e culturali. Neppure gli orrori della seconda Guerra Mondiale frenarono e inibirono l’ottimismo con cui Vasarely assecondò la sua ambizione, quella di rendere possibile un linguaggio pittorico-plastico astratto in grado di rivelarsi universale, soprapersonale e soprattutto chiaro e variopinto.
Un linguaggio allegro. Condivisibile. Ottimista. Non più statico, ma dinamico. Cinetico. Non più soggettivo, dai contenuti intrinseci e talvolta annodati su se stessi, ma oggettivo.
Un linguaggio pittorico in cui i giochi percettivi potessero divenire luogo di incontro tra artista e fruitore.
Comunione .
Nel mondo e nell’arte.
Nel mondo, attraverso l’arte.
Questo era il suo alto sogno.

Per Vasarely dipingere illusioni ottiche era come ambire ad una “visione utopica di una futura società collettiva, in cui la formazione e gestione in comune dei sistemi visivo-plastici dei segni annunciavano l’alternativa di una vita comunitari , della creatività collettiva e della democratizzazione dell’arte…” (Lorand Hegyi)

Correva l’anno 1950 quando la sua ricerca pittorica fu battezzata con il nome di Op-Art (Optical Art).
La freccia andava scoccata non più al cuore, ma alla retina del fruitore.
Le forme geometriche, pervase di illusorio dinamismo, nascevano sulle sue tele prima nella bicromia del bianco e nero, successivamente nei passaggi di gradazioni cromatiche tra colori primari e scaturenti colori secondari.
Arrivarono poi le gradazioni tonali ad arricchire questo sempre più caleidoscopico repertorio di inganni percettivi.

È solo colore ad olio steso sulla tela.
Eppure …si muove!

La sua indagine si incentrò sulle infinite possibilità che il colore ha di shockare la retina del fruitore.Egli stesso dichiarò: “La posta in gioco non è più il cuore, ma la retina, e l’anima bella ormai è divenuta un oggetto di studio della psicologia sperimentale…”.

Un alfabeto pittorico-plastico, cinetico e sbalorditivo, quello di Vasarely, fruibile oggi e fino al 30 gennaio 2010, in una preziosa rosa di opere – 25 per la precisione -, di medie e grandi dimensioni, raccolte nello spazio espositivo della Galleria d’Arte Il Castello, in via Brera 16 a Milano.
La mostra, titolata “Victor Vasarely: l’utopia dell’allegoria o l’allegoria del decoro”, è integrata e corredata da un catalogo completo di tutte le foto a colori delle opere esposte oltre che da importanti citazioni dell’artista stesso, e tratte dal celebre “Manifeste Jaune”, pubblicazione del 1955 che, sconquassando gli animi, determinò un importante momento di affermazione dell’artista nel panorama dell’arte post-bellica.

Creando, rendendo cinetico il colore, sperimentando…Vasarely sognava di migliorare il mondo.
L’arte avrebbe potuto certamente trascendere il puro godimento estetico. Sarebbe diventata zona di condivisione. Un incontro capace di migliorare la vita quotidiana.
E proprio tra le pagine del “Manifeste Jaune”, il padre dell’Optical-Art dichiarò:
“Essendo la sensibilità una facoltà propria dell’umano, i nostri messaggi raggiungeranno certamente i comuni mortali attraverso la via naturale della sua recettività emotiva. In effetti noi no possiamo lasciare indefinitamente il godimento dell’opera d’arte alla sola élite di appassionati. L’arte presente si incammina verso dele forme generose, riproducibili a piacimento, l’arte di domani sarà un tesoro comune, o non sarà…”

VICTOR VASARELY, L’UTOPIA DELL’ALLEGRIA O L’ALLEGORIA DEL DECORO,
Galleria d’arte Il Castello, via Brera 16, Milano.
Fino al 30 gennaio 2010.
Da martedì a sabato: 10.00-19.00; lunedì 15.00-19.00.

Per info: www.ilcastelloarte.it
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Recensione di Valentina Basile

“Dovete aver notato che da qualche tempo c’è qualcosa di cambiato nelle arti; non parliamo di neoclassicismo, di ritorno ecc; vi sono degli uomini dei quali probabilmente anche voi fate parte, che arrivati ad un punto della loro arte, si sono domandati: dove andiamo?” (G. De Chirico)
Giorgio De Chirico, nato a Volos in Grecia nel 1888 comincia il suo percorso pittorico approfondendo gli studi del classico.
Le sue opere portano i nomi di dei ed eroi della mitologia ellenica, raffigurano uomini e gladiatori dell’antica Roma, illustati fra rovine di templi, colonne spezzate, gradinate distrutte.
Tuttavia anche quando i corpi seguono i canoni della bellezza classica, quando egli riproduce la realtà in accordo con la tradizione, la linea fortemente pronunciata, aggressiva, che incornicia le figure e le esalta, sconvolge le convenzioni. E lascia trasparire i sintomi di quell’arte metafisica che caratterizzerà l’animo dell’artista.
Ciò che segue appare inizialmente sconcertante. Non più corpi, ma manichini. Non più uomini, ma cose nelle cose.
E tuttavia, senza nè occhi, nè sguardo, quelle “cose” provano emozioni e le restituiscono, forti e struggenti, alla sensibilità di chi le osserva.
Non più carne e sangue dunque, ma entità vive e pulsanti, fatte di gestualità inconfondibili, che svelano una verità intima e profonda. E poi la (ri)velano e la camuffano, ponendoci di fronte all’enigma, al mistero.
De Chirico non dimentica le lezioni dell’arte classica, non rinnega il passato che sempre gli è caro, piuttosto lo rivisita e lo reinterpreta con nuove forme e, fra similitudini e dissonanze, ne crea un’arte fresca, rinnovata, originale.
Ed è per apprezzare la magia di questi momenti che la città di Cava de’ Tirreni (Salerno) offre in mostra presso la Galleria Civica d’Arte comunale 40 opere tra dipinti e sculture realizzate dall’artista fra gli anni ’20 e ’70. La mostra, titolata “Giorgio De Chirico – Le suggestioni del Classico” promossa dal Comune di Cava de’ Tirreni e dalla Provincia di Salerno e curata da Matilde Romito, Sabina d’Angelosante, Victoria Noel-Johnson, e organizzata da Alef, sarà visitabile fino al 14 febbraio 2010 e propone una suddivisione a triangolo non affatto banale: le prime opere dell’artista, i quadri marcatamente metafisici e il classicismo vero e proprio, rappresentato dai reperti dei Musei Archeologici di Salerno, da osservare fra un’opera e l’altra, quasi finestre da cui ci si affaccia per scorgere orizzonti diversi.
Con tocchi leggeri, a tratti rabbiosi, De Chirico incornicia attimi eterni e quale maestro degli enigmi dà vita ad un’arte che si interroga, si chiede, si indaga. E domanda a sè stessa la propria collocazione. La meta da raggiungere.
Alla domanda non c’è risposta, o forse ce ne sono tante che nessuna par vera. Così, senza volerlo, ci troviamo di fronte all’ennesimo mistero, al quale se ne aggiunge subito un altro: quello della bellezza inconfondibile delle sue opere.

La mostra e’ aperta sino al 14 febbraio 2010

Orari di apertura: dal martedì al venerdì 10.00-13.00 | 16.00-20.00
Sabato, domenica e festivi 10.00-20.00
www.mostradechirico2009.com

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Articolo di Giovanna Lacedra del 14 ottobre 2009

È tutto un muro di bianca luce,
alle sue spalle.
È un metafisico biancore.
E lei se ne sta,
tutta di spalle a quella luce,
statutariamente seduta,
al bordo
di un asettico letto d’albergo.
Seminuda,
coi bagagli deposti sulla moquette.
E con addosso il rosso
di un anonimo costume da bagno.
Se ne sta -
piedi nudi,
capelli raccolti -
a leggere pagine ingiallite
di chissà quale romanzo
solidamente poggiato -
e sul margine appeso -
delle sue ginocchia.

È così,
scolpita dalle pennellate,
nella pasta corposa del colore ad olio,
a piatti e consistenti tocchi;
è così…
salda nella sua taciturnità,
la solitaria protagonista di “Hotel Room”,
un olio su tela datato 1931
e firmato Edward Hopper.

Il silenzio.
Immortalato dal colore.
Il silenzio,
cristallizzato nella luce.
Avanza,
nel campo visivo dell’osservatore,
come poetica invasione
di una comune consapevolezza:
la distanza,
come ora,
anche allora, ammutoliva il cuore.
Si espandeva… e si è espansa
sulle tele di Hopper,
come una distesa di luce.
La staticità di parole taciute
è stata
poeticamente immortalata sulla tela.
Dalla sua mano.
E dalla sua sensibilità.

Erano gli anni a cavallo tra le due Guerre.
Gli anni della speranza e parimenti dello sgomento.
Era l’America di un entusiastico sbigottimento.
Ed Edward Hopper , con la sua maestria tecnica
saliva al vertice del Realismo pittorico Americano.

Aveva lavorato come illustratore pubblicitario alla C. Phillips & Company, Edward Hopper, aveva compiuto, nel 1906, il suo primo viaggio in Europa, visitando Parigi.
Qui aveva sperimentato il linguaggio pittorico degli impressionisti, lasciandosi sedurre in particolar modo dagli interni e dall’uso del taglio fotografico di Degas.
Ma la sua cifra stilistica iniziò ad emergere più tardi, quando le sperimentazioni pittoriche si volsero al realismo.

E non si trattò mai di un realismo distaccato.
Sulla tela non nascevano sterili e distaccate riproduzioni della realtà.

Egli stesso soleva precisare: “non dipingo quello che vedo, ma quello che provo”.
E ciò che provava, in empatia con le inquietanti contraddizioni della sua contemporaneità, era un sentimento di nuda desolazione dei più intimi corridoi dell’anima.

La solitudine si racconta, se non con le parole, con la forza emozionante del colore.
E fu questo che lui fece.
Le case tra le dune, i verdi vagoni del metrò, le camere d’albergo… vivono sulla tela
come affollati dal distacco.
Le solitudini, solide e sospese come in sogno…sono umane presenze sovrappensanti.
E i nudi di donna. dalle carni impietrite che si stagliano nella fissità di un nessun dove…sono sofisticati distacchi dal tempo.
Tutte identiche nel romitaggio.
Visi concentrati, bagnati dal sole.
Algido calore di una umanità temente.
Di una umanità quasi incapace di emulare il contatto.
Distante dall’emotività, dalla fluidità della relazione.

Hopper ha dipinto una umanità solitaria.
Ha ritratto l’assenza di condivisione, condividendola dal profondo.
Ha amato l’assenza dell’amore.
Le sue pennellate hanno caldeggiato la mancanza di calore.
Hopper ha sentito il non sentire della sua gente.
E assorbendolo, lo ha restituito al mondo sotto forma di arte.

È questo il sublime rigurgito di un vero pittore.
Ed è proprio questo aspetto della sua ricerca pittorica a farmelo sentire – in quanto pittrice di distanze – tanto vicino.

Nell’evoluzione metropolitana, nell’avvento di una post-modernità ancora acerba…il silenzio è quasi un paradosso, eppure sgorga dal profondo di cuori sfondati dallo sbigottimento.
La solitudine dell’individuo moderno, dipinta con tecnica sapientemente meticolosa, diventa uno strato di invisibile gelo, frapposto tra gli individui…
Di lui hanno scritto che sapeva “dipingere il silenzio”.
E credo non vi sia osservazione più esatta.
Hopper stesso , affermò:
“Il mio scopo nel dipingere è sempre stata la più esatta trascrizione possibile della più intima impressione della natura.».

La città di Milano,
dal 15/10/2009 al 24/01/2010 ospita, nelle prestigiose sale di Palazzo reale, in Piazza Duomo 12 , una eccezionale retrospettiva – la prima in Italia – di opere del pittore realista statunitense che più di ogni altro seppe ritrarre gli intimi estraniamenti di una umanità solitaria, incastonata in quella fessura d’anni apertasi tra le due Guerre Mondiali.
Dalla collaborazione tra Comune di Milano, Fondazione Roma (la retrospettiva si trasferirà a Roma, dal 16 febbraio al 13 giugno 2010, e successivamente a Losanna), Artemisia, il Whitney Museum of American Art e la Fondation Hermitage di Losanna, arrivano a Palazzo Reale ben centosessanta opere in cui la mano hopperiana ha congelato atmosfere metafisiche e melanconiche.

Le statiche inquietudini dei suoi personaggi sembrano pesare sul silenzio dei luoghi.
I soggetti giacciono come cristallizzati in un lento rapprendersi dei pensieri.
Tutto è fermo.
Come a ricordare la lezione di Piero Della Francesca.
Tutto è fisso.
I mobili, le pareti. L’aria. L’anima.
L’incomunicabilità, è fulcro di questo percorso pittorico.

Un percorso strutturato in sette sezioni, che parte dagli esordi parigini per ampliarsi sugli anni più intensi – 30’, 40’50’ – tra bozzetti, disegni preparatori e tele pittoricamente compiute.
Scoprirete come in realtà Hopper non si limitasse ad una sola immagine per realizzare i suoi dipinti, ma assemblasse invece più studi preparatori, più scorci, più visioni, per perseguire il risultato finale.
La contestualizzazione storica e culturale, indispensabile per comprendere appieno il valore della ricerca di un artista, è invece ampiamente esposta in una sezione che ripercorre i momenti salienti della storia americana tra gli anni ’20 e gli anni ’60, dal sogno di Kennedy al boom economico.

E prendendo in prestito le parole di Charles Burchfield, pubblicate su “Art News” del 1950, concludo, grandiosamente, così:
” [...] Conosciamo tutti le rovine di Pompei, dove furono ritrovate persone sorprese dalla tragedia, “fissate per sempre” in un’azione (un uomo fa il pane, due amanti si abbracciano, una donna allatta il bambino), raggiunte improvvisamente dalla morte in quella posizione. Analogamente, Hopper ha saputo cogliere un momento particolare, quasi il preciso secondo in cui il tempo si ferma, dando all’attimo un significato eterno, universale”.

Visita il sito ufficiale della Mostra
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Padiglione Giapponese, Miwa Yanagi

Recensione di Giovanna Lacedra

TAPPA 2: I GIARDINI E I PADIGLIONI NAZIONALI

Uscita dal Palazzo delle Esposizioni sapevo che ad attendermi avrei trovato un’altra lunga sequela di prodotti della creatività umana. Una catena di eterogeneità artistiche provenienti da ogni parte del mondo, era lì per stupirmi.
A presenziare nel verde accogliente dei Giardini, c’erano infatti ben ventinove nazioni, ognuna con il proprio Pavilion.
Olanda, Belgio, Spagna, Svizzera, Venezuela; Russia, Giappone, Repubblica di Corea, Germania, Canada, Gran Bretagna, Francia, Repubblica cieca e Repubblica Slovacca, Australia, Uruguay, Israele, Stati Uniti d’America, Pesi Nordici (Finlandia, Norvegia, Svezia), Danimarca, Finlandia Padiglione-Aalto, Ungheria, Brasile, Austria, Serbia, Egitto, Padiglione Venezia, Polonia, Romania, Grecia.
Sotto lo strato della contemporaneità, ognuna di esse celava e disgelava segni intuibili della propria radice popolare, e della propria storia.

La mia entusiasmante esperienza di reporter qui mi ha permesso di catturare fotograficamente dipinti, sculture, videoistallazioni, annotando via via le impressioni ricevute da ognuna delle realtà nazionali incontrate.
Non a caso Daniel Birnbaum ha precisato:“La scelta di porre particolare enfasi sulla Biennale come sito di produzione e sperimentazione comporta progetti che sondano le possibilità del mondo costruito. Ma il risalto dato al processo creativo e alle cose nel loro farsi non esclude un’esplorazione della ricchezza visiva (…) è un’esposizione mossa dal desiderio di esplorare mondo intorno a noi così come mondi che verranno.”
Questo certamente presupponendo un’idea di opera d’arte ben più ampia di come la si può solitamente pensare, ovverosia come la rappresentazione di una delle infinite visioni del mondo. L’opera d’arte è ‘quella’ visione del mondo. È la visione che quell’artista, con un bagaglio personale e collettivo di incipit ed esperienze, ce ne offre. Solo se si considera lo spessore di questo pluralismo creativo ed artistico si può comprendere il vero senso di una esposizione d’arte internazionale.
Un’artista crea tra spinta nazionalista e controspinta globalizzatrice. Questo sostiene Birnbaum, affermando che : “gli artisti invitati all’Esposizione Internazionale non rappresentano le nazioni o le comunità linguistiche alle quali appartengono, ma sono responsabili unicamente delle loro visioni, tuttavia potrebbe essere interessante pensare all’arte come ad un’insistenza nelle differenze che non ha nulla a che vedere con il ritorno politicamente reazionario al nazionalismo (…) forse nascono nuovi mondi dove i mondi si incontrano.”
E così, alla luce delle parole di Birnbaum, ho esplorato lo spazio espositivo dei Giardini.
Eccovi una rassegna dettagliata dei vari Padiglioni Nazionali:

L’Olanda porta alla 53° Biennale di Venezia un’esponente femminile dell’arte contemporanea: Fiona Tan. Scelta dal curatore della proposta olandese a questa 53° esposizione, Saskia Bos (Preside della Cooper Union’s School of Art) , l’artista rappresenta l’Olanda con la sua nuova installazione audio-visiva “Disorient 2009” ( 2 loop, 17 e 19 minuti), creata appositamente per il Padiglione.
Il progetto fa riferimento alla posizione cruciale e strategica di Venezia nella storia prima che il suo potere diminuisse,e tenta di costruire un ponte tra i secoli collegando la realtà quotidiana contemporanea e il passato simbolico che ogni visitatore a Venezia desidera afferrare. A Fiona Tan interessa indagare i meccanismi attraverso i quali ognuno di noi si rappresenta, e quelli che determinano la nostra interpretazione degli altri.
Oltre a “Disorient” infatti, la Tan ha portato un altro lavoro col quale amplia questa indagine: “Provenance 2008”: 6 video in bianco e nero presentati in un formato da quadro appeso alla parete e incorniciati da lineari listelli neri. In un primo momento lo spettatore ha la sensazione di trovarsi all’interno di una mostra fotografica, le immagini sembrano ferme, vere e proprie fotografie incorniciate. Poi, però, con una lentezza che equivale a quella del video, il fruitore si accorge che quelle immagini in realtà non sono ferme. Tutto quello che accade in questi video ha un’apparente insignificanza, che sembra accentuare la lentezza della ripresa e dei movimenti stessi svolti dai protagonisti. In uno viene ripresa una donna seduta ad una scrivania, che tenta forse di scrivere una mail con il notebook aperto, ma ha delle resistenze o delle perplessità, digita piano qualche parola, poi si ferma, alza lo sguardo, fissa il vuoto, medita e alla fine chiude il suo pc. In un altro video invece un bambino è fermo in piedi davanti allo spettatore e forse nell’imbarazzo stringe nei pugni i lembi della felpa che indossa. Un terzo video riprende invece una giovane donna dai capelli lunghi, che, dando le spalle allo spettatore, guarda al di là di una portafinestra, poi si volta e con un’espressione quasi spaventata si dirige verso il corridoio osservando una galleria di foto esposte lungo le pareti. Si sdraia infine su un letto, abbandonandosi forse a pensieri ossessivi.

Il Belgio è rappresentato Jef Geys, artista e docente di Estetica Positiva in una scuola a Balen.
Geys da sempre concepisce la sua opera come un progetto in evoluzione che combina atteggiamento concettuale, attività didattica e sperimentazione formale. Per la 53° Biennale di Venezia ha realizzato “Quadra Medicinale”, una vera e propria verifica sul tipi di vegetazione che può essere presente in una metropoli. Certo, più che un’opera, questa è una vera e propria indagine all’interno di un chilometro quadrato delle città di Villeurbanne, New York, Mosca e Bruxelles. In quel piccolo spazio Geys, avvalendosi di quattro collaboratori ha cercato di scoprire un totale di dodici piante che crescono per la strada, per poter identificare le componenti essenziali del loro ambiente di vita immediato. Il risultato è un inventario di piante comuni, di cosiddette ‘erbacce’, che spesso sono piante commestibili o medicinali con proprietà uniche Il padiglione ospita sia le foto di queste piante nel loro biotipo, con relative classificazioni, e descrizioni scientifiche. Sia disegni realizzati appositamente dall’artista in grande dimensione e che riproducono con segno continuo le caratteristiche formali di queste ‘erbacce’, ponendo in risalto quanto invece il loro studio analitico si riveli fonte inaspettata di godimento estetico e di conoscenza.

Una considerevole piattaforma posta al centro del primo ambiente, cattura i visitatori del Padiglione Spagnolo. Su di essa si levano enormi vasi in creta dipinta. Sono, insieme ai dipinti esposti alle pareti, le opere realizzate da Miquel Barcelo, artista originario di Palma di Maiorca.
Una curiosità? Barcelo è il primo artista vivente ad esporre al museo del Louvre nel 2004!
Negli ultimi anni, egli si è dedicato al temi particolari, come quello dei paesaggi africani, della schiuma delle onde del mare di cui si vede la corposità della pasta pittorica atta a rendere l’effetto spumoso, in due grandi tele esposte nel salone centrale del padiglione. Sono tutti dipinti di grande formato, anche quelli dedicati al tema dei primati, e realizzati a partire dall’anno 2000. I suoi gorilla solitari sono l’emblema della solitudine del pittore in un’era in cui l’arte risulta ormai inscindibile dai nuovi mezzi di espressione, tecnologici. In tal senso il pittore è quasi un primato in via di estinzione. In “Flechta rota” , tecnica mista su tela del 2008, Barcelo raffigura un primato esattamente isolato ed emblematico in tale senso.
Oltre ai dipinti e alle ceramiche, è stato esposto anche un video prodotto per il festival di Avignone e titolato “Paso doble”.

Ho visitato questi primi tre padiglioni presentatisi alla mia vista non appena sono uscita dal palazzo delle Esposizioni.
Ma svoltando a sinistra per il viale alberato e arredato da panchine di sosta vivacemente mosaicate, mi sono imbattuta in un percorso che pareva protrarsi all’infinito.

Nel primo padiglione in cui mi sono infilata, ho incontrato un’artista che non conoscevo : Silvia Bachli, rappresentante della Svizzera. L’Ufficio federale della culture ha affidato a lei, che vive tra Basilea, Karlsruhe e Parigi, e insegna all’Accademia d’arte nazionale di Karlsruhe, il compito di presentare il proprio operato alla Biennale di Venezia.
Artista legata ad una figurazione di tipo sintetico, ma efficace, la Bachli ha presentato un ciclo di disegni costituente, all’interno del padiglione, un vero e proprio percorso visivo.
Nel disegno, che le ha dato notorietà, lei riesce a fondere precisione e gestualità, meticolosità e impulso, muovendosi liberamente tra figurazione e astrattismo ed usando quasi esclusivamente la monocromia del bianco e nero. Le opere presentate sono in totale 33, tra pastelli ad olio , gouache, e fotografie.

Il progetto del Padiglione Venezuelano, ideato da Carlo Scarpa, ha invece come obiettivo primario quello di affrontare ed evidenziare il cambiamento sociale e culturale nel Sud America. Curato da Masia Luz Cárdenas, presenta “Mundo en Proceso” (Worlds in Process). Si tratta di un gruppo eterogeneo di artisti tra cui vi sono anche degli antropologi: Gabriela Croes, Magdalena Fernández, Daniel Medina, Antonio Pérez ,Claudio Perna artista concettuale, Bernardita Rakos, Antonieta Sosa e il Colectivo Todos somos Creadores, un gruppo di attivisti e comunicatori.
In particolare sono stata catturata dal lavoro di Antonietta Sosa, che ha portato in Biennale una galleria di piccoli quadri. Dietro al vetro però non vi erano immagini dipinte, disegnate o fotografate, bensì, polvere, carta sminuzzata, sporcizia. Insomma, tutto quello che si può raccogliere spazzando in una stanza. Il titolo è “El puelvo de mi cuarto (the dust of my room)”, lavoro datato 1998-2009.

La Russia quest’anno è stata dissacrante e geniale!
Ha messo a punto uno dei padiglioni più vistosi, originali e spregiudicati della Biennale. Ed è fuori dubbio quello che insieme al danese-norvegese ed egiziano mi ha maggiormente colpito. Dunque ne consiglio vivamente la visita.
Il titolo dell’intero progetto è “Victory over the Future”, ovverosia, vittoria sulla paura del futuro, come la stessa Sviblova, sua curatrice, ha sottolineato. Un tema certamente complesso. Ed interpretato individualmente. La Vittoria è qui intesa come fenomeno di interpretazioni filosofiche, culturali, sociali, etiche ed artistiche. E come condizione esistenziale ed emotiva, uno dei fattori fondanti del comportamento di ogni singolo individuo e del gruppo sociale.
Sono diversi gli artisti presenti: Alexi Kallima, Anatoly Zhuravlev, Irina Korina, Andei Molodkin, Grigorij Ostretsov, Pavel Pepperstein, Sergei Shekhovtson. Quest’ultimo spacca in pieno il campo visivo del visitatore già dall’esterno: sulla parete laterale del padiglione infatti una moto in gommapiuma sembra sfondare la superficie venendo fuori a tutta velocità.
Anatoly Zhuravlev presenta una installazione titolata“Buchi neri” e costituita da un centinaio di piccole fotografie ritraesti personaggi storici, collocate in uno spazio d’esposizione che rappresenta astratti sgorbi neri. La finalità è quella di spingee l’osservatore a considerare la storia come primaria fonte del futuro.
In una stanza semibuia con pareti blu, invece, il pittore e letterato Pavel Pepperstein mediante testi ed acquerelli di impronta neo-suprematista, e restroilluminati, affronta “Le prospettive di sviluppo”, con un pezzo rap che suona ad altissimo volume.
Ma forse il più disarmante del gruppo è Grigorij Ostretsov con la sua installazione-labirinto titolata “Art life” o “Tormenti creativi”. In un luogo semibuio, come una sorta di vecchio scantinato, angusto e pieno di oggetti in disuso,tra cui una ruota di bicicletta arrugginita,un vecchio frigo e pentole appese alle pareti, egli ricrea un’atmosfera inquietante e misteriosa. Da una giacca appesa ad una parete sbuca una mano che si muove, facendo dondolare il quadro appeso accanto a lei. E in fondo al labirinto, possiamo scorgere una figura di uomo, che seduto ad una scrivania continua maniacalmente a tracciare lo stesso cerchio su un foglio fino a scavarlo con la biro. Ma state tranquilli…si tratta solo di un manichino meccanico!
Lo stesso Ostretsov ha affermato:” Penso che il mio progetto sia riuscito. Nel visitatore della mia installazione nasce il desiderio di creare, di scoprire qualche cosa per sé stesso”.

Davanti al Padiglione Danese-Norvegese, sono invece trasalita.
Opera di un duo artistico attivo dal 1995, Elmgreen & Dragset, composto dal danese Michael Elmgreen e dal norvegese Ingar Dragset., il padiglione ha come titolo “The Collectors”, e ha già ricevuto una menzione speciale dalla giuria della Biennale.
Questo padiglione, per la prima volta nella storia della manifestazione veneziana, vede la collaborazione tra due diverse nazioni.
Tutto si svolge in una cornice teatrale. Il padiglione è in realtà un’abitazione, è organizzato ed arredato come un open-space, con la zona giorno e la zona notte. Ma pare disabitato.
Una piscina davanti all’ingresso. E nella piscina un cadavere col viso nell’acqua.
Il corpo di un uomo vestito da una camicia bianca e un pantalone nero. Sul fondo della piscina un orologio da polso, un pacchetto di sigarette. Cosa è accaduto? Probabilmente si tratta di un suicidio. Il proprietario, tale Mr. B, è l’uomo che galleggia sull’acqua ferma della piscina. La sua abitazione è rimasta aperta. Tutt’intorno ha pareti in vetro, e in una teca è visibile una collezione di arte gay che probabilmente lo aiutava a promuovere la sua identità sessuale.
Un’identità vissuta male e che lo ha probabilmente spinto al suicidio.
Elmgreen & Dragset hanno tentato di indagare i motivi psicologici del collezionare, un’attività che proprio lungo queste due dimensioni corre un rischio patologico.

Il Giappone è rappresentato da Miwa Yanagi, artista di Kobe, tra le più apprezzate protagoniste dell’arte contemporanea nipponica, che presenta una istallazione di enormi stampe fotografiche esposte in titaniche cornici da tavolo, che sovrastano lo spettatore.
L’istallazione s’intitola “Windswept Women: The Old Girls’ Troupe”.
In queste foto, donne.
Donne selvagge, donne iraconde, donne deformi. Donne quasi nude, che sembrano dimenarsi selvaggiamente. Donne dai seni enormi o piccoli e inverosimilmente cascanti. Donne evidentemente trasfigurate dal dolore e gigantesche nelle loro cornici nere.

Il Padiglione Canadese è invece interamente dedicato all’opera di Mark Lewis, artista tra i più conosciuti al mondo e i cui film sono da sempre considerati vere e proprie esperienze temporali. Alla 53° Biennale di Venezia l’artista presenta una serie di videoistallazioni in cui vengono ripresi luoghi casualmente ritrovati nel quotidiano vivere comune.
Nella città contemporanea da lui ripresa, attività apparentemente banali e tendenzialmente non interessanti diventano invece profonde osservazioni cinematografiche.
Lewis esplora la storia dello spazio e il trascorrere del tempo, attraverso quattro nuovi video autonomi.
Anche l’Ungheria segue la strada dei nuovi linguaggi artistici, e arriva a Venezia con una nuova installazione di Péter Forgàcs : Col Tempo – Il Progetto W.
In un’epoca imperniata sul principio di globalizzazione, che un po’ dimentica i condottati individuali di ciascuno, Forgàcs torna invece ad interrogarsi su volto La sua installazione, all’apparenza drammatica, scandaglia del materiale storico allo scopo di intessere un percorso nella memoria dello spettatore, e che disveli poi i cambiamenti con cui, nel tempo, abbiamo preso a percepire l’altro.
Come guardiamo l’altro?
Lo abbiamo sempre guardato, osservato e visto così?
O esistono forse griglie interpretative, filtri, paradigmi…preconcetti?
Quali sono gli stereotipi e gli automatismi che guidano i nostri giudizi riguardo ad una persona effettivamente sconosciuta?
Visitando il padiglione ungherese non potrete evitare di porvi questo genere di quesiti.

La Francia arriva a Venezia con Claude Lévêque. La sua ricerca, vicina alle culture alternative, si concentra su un lavoro di immagini, suoni e luci.
Lévêque è uso ricreare delle ambientazioni con oggetti presi in prestito dall’ambiente che lo circonda, sempre sfruttando l’estremo potere sensoriale di luci e suoni. Amante della cultura alternativa e della musica punk, Lévêque ha incentrato la sua personale sperimentazione sull’uso provocazioni sensoriali, mediante le quali mira a scuotere le più impreviste reazioni dello spettatore, circondandolo di nuove architetture visive.
L’istallazione realizzata all’interno del Padiglione s’intitola ‘Le grand soir’, e vede quattro gabbie poste ai quattro angoli di un interno quadrangolare, che creano l’incrocio ortogonale di due assi viari. E in fondo a ciascun asse, lambendo il buio, una bandiera blu sventola lieve.

Il Padiglione Australiano, diretto dal già noto Doug Hall (Direttore della Queensland Art Gallery fino al 2008) presenta per questa edizione Shaun Gladwell. Artista che arriva a Venezia con l’opera ‘Maddestmaximus’.
Si tratta di una sequenza di cinque video correlati tematicamente con elementi scultorei e fotografici ispirati ai paesaggi dell’entroterra australiano. Nella prima proiezione la videocamera è concentrata su una strada asfaltata percorsa da camion. Ai bordi di essa in corpicino di un gatto morto. E l’orizzonte sembra liquefarsi nella tenuità. Il secondo lavoro invece presenta sei monitor messi in verticale, l’uno sopra l’altro e proiettanti soggetti diversi ma che compiono lo stesso, identico movimento: un ragazzo sulla bici, un altro sullo skateboard e altro soggetti… tutti girano su se stessi, ossessivamente piroettando.

Il Padiglione israeliano vede come assoluto protagonista l’artista che ha introdotto in Israele la contemporaneità adattandola al contesto locale: è Raffie Lavie.
Lavie è stato il fondatore del gruppo “10+” nel 1965, ed è inoltre stato esponente centrale dello stile formatosi intorno a lui negli anni ‘70 con il nome di “Esigenza della materia” per l’uso di materiali ascetici ed economici come il compensato e il collage.
Alla 53° edizione della Biennale veneziana, l’artista porta dipinti costruiti sulla ingenuità e la cancellazione ossessiva delle immagini attraverso scarabocchi, incisioni e vaste pennellate di colore.
“In the name of the Father” rappresenta la nuova estetica israeliana introdotta da Raffie Lavie.

Il solo Padiglione all’interno del quale è tassativamente vietato scattare foto è quello americano, rappresentato dal grande Bruce Nauman con il progetto “Topological Gardens” .
Si tratta di una rassegna tematica che trascende il solo spazio dei giardini e che comprende quasi quarant’anni della produzione artistica innovativa e provocatoria di Nauman. La mostra è infatti presentata in tre diverse sedi espositive (il Padiglione degli Stati Uniti nei Giardini della Biennale, la sede dei Tolentini della Università Iuav di Venezia e gli spazi Ca’ Foscari Esposizioni dell’Università Ca’ Foscari) e riunisce più di trenta opere prestate da collezioni pubbliche e private, sia statunitensi che europee.
Si parte dai primi video, dalle opere sonore e dai film incentrati sulla presenza dell’artista nello studio fino alle insegne al neon, alle sculture in bronzo, gesso, cera e resina, alle installazioni a corridoio, per cogliere l’insistenza dell’artista nello spingere sempre oltre i confini tra le discipline e i materiali dell’arte.
In ‘Coffee splilled and ballow dog’ del 1993 due coppie di mani sono protagoniste di due video con sonoro: la prima coppia lascia rumorosamente cadere una tazzina di caffè, che inevitabilmente si frantuma; la seconda invece si muove abilmente per costruire un cane con palloncini allungati. In ‘ Washing hand normal”, invece, una coppia di mani si lava ossessivamente insaponandosi di continuo.
In questa percorso espositivo, la topologia offre una specie di struttura entro la quale il pubblico può mettere in relazione l’incontro con le opere di Nauman con l’attraversamento di Venezia, e di conseguenza mette in discussione anche la base ideologica su cui si fonda storicamente l’esistenza dei padiglioni nazionali.

Il Brasile arriva quest’anno a Venezia titolando il suo padiglione “A Estridência da luz”,e presentando fotografie di Louiz Braga e dipinti di Delson Uchôa. Quest’ultimo presenta tele di grande formato che raggiungono anche i 10 metri di altezza. Hanno colori timbrici, saturi, sgargianti, talvolta fluorescenti, e motivi decorativi fluttuanti tra l’arazzo e l’optical. Le opere di Uchôa sono frutto di una costante e approfondita rielaborazione; per impossessarsi della luce accecante e dei colori vividi di una delle regioni più estreme del Brasile.
Braga invece è un fotografo che ha studiato architettura e Uchôa, e che indaga i contrasti cromatici, allo scopo di ricreare le luci e i colori di una regione molto diversa dal famoso e tradizionale asse Rio de Janeiro-San Paolo.

Ma decisamente disarmante e a tratti commovente, per me, per il mio sguardo stupito, per la mia sensibilità è stato il titanico ed intimistico mondo presentato dall’Egitto.
Il ritmo stesso della vita egiziana si distingue qui in maniera del tutto peculiare, specifica. Un ritmo permeato di sperimentazioni e compenetrazioni infinite tra il momento attuale e quello passato. Arriva, allo spettatore sovrastato, una folata di energia creativa, intima e violenta. Un’energia collettiva che secoli fa ha saputo diventare un vero e proprio riferimento per l’intera umanità. L’Egitto ha sempre posto la creatività al servizio di realizzazioni spirituali e monumentali, e anche in questa occasione la monumentalità dell’arte egiziana non viene meno. È però caratterizzata da una nuova fragilità. Una leggerezza delicata.
Titaniche presente intrecciate nella paglia accolgono in fila lo spettatore che si addentra nello spazio del padiglione. La grandezza si unisce alla debolezza. Possenti come colossi, queste presenze si inchinano in un saluto rispettoso, offrendo comunque una percezione di tenerezza e duttilità.
Dal cuore della vita quotidiana, quindi, queste sculture di Ahmed Askalany si alternano ai dipinti, sempre titanici, di Adel El Siwi, in cui emerge la medesima monumentalità, in un misto di eroicità e leggerezza.

E per concludere, cari lettori… giochiamo in casa!
Il Padiglione Venezia, cui si accede da una ampia gradinata nel verde, presenta contemporanei e innovativi artisti del vetro, in una rassegna dal titolo caldamente poetico: “…Fa come natura face in foco”.
La mostra ha come obiettivo quello di riprendere i fili della grande tradizione dell’arte vitrea veneta, sottolineandone la sempreverde capacità di rinnovamento stilistico. L’adesione a un mondo di antica sapienza continua infatti ad improntare l’attività di molti autori, non solo italiani. Tra questi: Cristiano Bianchin, Alessandro e Laura Diaz de Santillana, Yoichi Ohira, Ritsue Mishima, Maria Grazia Rosin, Lino Tagliapietra. Al centro, un omaggio a Toni Zuccheri, recentemente scomparso.
Nel giardino esterno, ioltre, è visibile una grande e vivace installazione di Dale Chihuly, realizzata appositamente per la Biennale.

Volete sapere cosa vi aspetta nella sede espositiva dell’Arsenale?
Volete scoprire chi espone al Padiglione Italia?
Aspettate il reportage “terza tappa”, che realizzerò tornando in loco a settembre inoltrato.

[View with PicLens]

 

23 biennale venezia

Articolo di Giovanna
Lacedra del 17 luglio 2009

Venezia…uno scrigno spalancato sul mare.
E i suoi edifici: gioielli dalle
raffinate tinte pastello, sparpagliati sull’acqua.
Isole, palazzi, chiese, strade fluide…
L’incanto si moltiplica. Lo stupore si agita.
La poesia, immancabilmente artiglia ogni stagnante superficialità.
Perché Venezia seduce. Conquista. Commuove. Innamora.

Un luogo della storia, che pure appare senza storia. E che nella sua magica atemporalità sa accogliere, presentare e inglobare, le tendenze più innovative, più estreme e più dissacranti del panorama artistico contemporaneo.
Perché Venezia da 53 stagioni, ha la sua prestigiosa Biennale Internazionale dell’Arte.

Si, ma Venezia…
Venezia è qualcosa di magnetico, è un luogo liquido, e ignaro del flusso temporale. Un luogo cristallino e apparentemente cristallizzato nel tempo.
A Venezia c’è qualcosa che si eterna. Che va oltre. O che si è fermato per sempre: è il miracolo, è la magia.
E quasi sembra di essere dentro ad un dipinto di Piero della Francesca.

Insieme a Firenze, Roma e Napoli, la Repubblica della Serenissima fu, durante la prima metà del Settecento, tappa prediletta per i Gran Tour di giovani studenti aristocratici, che nella nostra Bella e Italia
venivano a scoprire la cultura e a innamorarsi delle arti.

John Ruskin, innamoratosi brutalmente di questa città, scrisse una delle sue più celebri opere letterarie, “Le Pietre di Venezia”, ma il suo stupore lo espresse nelle pagine di ‘Diario Italiano (1840-41) con queste parole:

“Venezia, 6 maggio 1841: Grazie a Dio sono qui! È il paradiso delle città, e una luna sufficiente a fare impazzire metà dei savî della terra batte con i suoi puri sprazzi di luce sull’acqua grigia davanti alla finestra; e io sono più felice di quanto sia mai stato in questi cinque anni – felice davvero – felice come in tutta probabilità non sarò mai più in vita mia. Mi sento fresco e giovane quando il mio piede posa su queste calli, e i contorni di San Marco mi entusiasmano (….) Grazie a Dio sono qui!” contrapposto. Il grande specchio d’acqua, intendo quello che si trova da un lato della vera Venezia, ha la forma della mezzaluna, di fronte ha l’isola Goethe la visitò invece intorno al 1788, e nel ‘Giornale di viaggio in Italia per la signora Von Stein’ di lei ci ha donato questa mirabile descrizione: “Venezia non può essere paragonata che a se stessa. Come il Canal Grande non può essere paragonato a nessuna strada del mondo; cosi a quel tratto che si trova dinanzi alla piazza di S. Marco nulla può venir di S. Giorgio, un po’ discosto a destra la Giudecca e il suo canale. (…) Essa sottostà al tempo come tutto ciò che ha un’esistenza apparente.”

Venezia…

Venezia incanta ogni animo sensibile e predisposto ad un poetico abbandono, perchè è intrisa di un misticismo che non ha eguali. Un misticismo destabilizzante quanto stregante.

Sono arrivata qui, nella città-poesia, qualche giorno fa, per visitare la celebre Biennale e… uscendo dalla stazione Santa Lucia, lo spettacolo che mi

si è presentato davanti agli occhi è stato di una tale, insospettata bellezza, da non poter in nessun modo evitare di sorridere: la felicità che provavo era la stessa che provò Ruskin più d’un secolo e mezzo fa?

Al centro del mio campo visivo la cupola verde chiaro di una chiesa rinascimentale era venuta a signoreggiare, stagliandosi su un cielo nitido e brillante. Ero felice, sì.
Ditemi perché non avrei dovuto sorriderle?
Ho smarrito il tempo.

Lo spettacolo della storia che emerge dalle acque mi ha sottratta ai giorni e agli anni. Mi ha consegnata ad un tempo che è tutti i tempi. Mi ha consegnata alla storia e all’eternità.Trasportandomi magicamente in una dimensione favolistica.
Perché Venezia è questo: è una favola infinita.
Si, Venezia, con le facciate dei suoi palazzi bucate da eleganti monofore trilobate…Venezia coi suoi canali navigati dal gentile dondolio delle gondole…

Venezia coi i suoi ponticelli e i suoi gabbiani danzanti tra cielo e mare…Venezia città galleggiante, dalle vie liquide, che non conosce il clamore dei clacson o il rombo delle auto …Venezia è un mondo fluttuante su tangenziali d’acqua… ed è assolutamente una fiaba. Una fiaba fuori dal tempo.

Intrisa di incanto, di poesia, di misticismo e magia, Venezia appare come una raffinata donna dai colori tenui eppure vividi, una donna fatta di grazia, luce e leggerezza… una donna senza età, che non invecchierà mai…
Il tempo non la ghermisce con le sue mani ruvide e lesive,.

No, il tempo non la lambisce, nè la graffia… Su di lei scorre carezzevole come acqua sull’acqua, solamente per indorarla di una nuova, preziosa patina di grazia.

Uscendo della stazione, mi sono diretta verso il mare, fino ad incontrare le biglietterie d’accesso ai mezzi di navigazione, già gremite da una lunga collana di turisti, o da chi, come me, era giunto qui per visitare quella che da sempre viene considerata la rassegna internazionale d’arte contemporanea più visitata d’ Italia: la Biennale.
Ho acquistato il mio biglietto. Ho atteso qualche minuto restando nello stupore. Poi sono salita sul mezzo di navigazione linea 2.

E ho percorso il Canal Grande, riflettendo su quanto straordinario e atipico sia questo matrimonio tra città storica e fiabesca, medievale e rinascimentale, e quel surplus internazionale, anzi, mondiale, di arte contemporanea che mi attende invece nelle sedi della Biennale.

La Biennale, in un certo senso non è che un’isola nell’isola.

La 53° Esposizione ha aperto i battenti esattamente il 7 giugno 2009 e sarà visitabile sino al 22 novembre 2009.
È stata ideata e organizzata da un nuovo, eccellente direttore: Daniel Birnbaum.
Birnbaum è già da alcuni anni Rettore della Staedelschule di Francoforte sul Meno (Germania) e del suo spazio espositivo Portikus, un’accademia che

promuove la sperimentazione di linguaggi sempre nuovi nel panorama contemporaneo delle arti visive formando gli studenti non solo sul piano teorico, ma anche pratico e realizzativo. Ed è, fra le altre cose, redattore da oltre dieci anni di Artforum, New York.

Il titolo con cui Birnbaum ha deciso di battezzare la 53° edizione della Biennale veneziana non è altro che una sintesi della sua concezione del fare arte nella contemporaneità:
Fare Mondi // Making Worlds // Bantin Duniyan // Weltenmachen // Construire des Mondes // Fazer Mundos.

Un titolo che si riallaccia al concetto di sperimentazione come processo creativo. Fare Mundi ambisce ad offrire una visione globale delle diversità creative, e delle nuove possibilità che oggi l’arte sta scoprendo ed esplorando.
Come egli stesso ha affermato: “Un’opera d’arte è una visione del mondo e, se presa seriamente, può essere vista come un modo di ‘fare mondi’…”
Anche quest’anno le location sono i Giardini, il Palazzo delle Esposizioni, rinnovato per l’occasione, e naturalmente l’Arsenale.
Qualche dato rilevante?
Sono più di novanta gli artisti esponenti, provenienti da tutto il mondo.
E i Giardini offrono un percorso di 29 Padiglioni Nazionali, oltre al noto Palazzo delle Esposizioni.

Naturalmente, oltre alle consuete location di sempre, la città lagunare ospiterà in alcuni dei suoi palazzi storici, come Ca’ Pesaro e Palazzo Zenobio, altri eventi collaterali.

Tra questi: ‘Archeovertigo’ di Cristiano e Patrizio Alviti: sette sculture in bronzo di Cristiano e dieci opere su ferro e pannelli di legno di Patrizio, presso il Complesso Monumentale di Santa Maria Gloriosa dei Frari, Archivio di Stato, San Polo 3002 (Campo dei Frari), dal 6 giugno al 9 agosto; ‘ArtSway’s New Forest Pavilion’ a Palazzo Zenobio, Dorsoduro 2596 (Fondamenta del Soccorso) dal 7 giugno al 28 giugno, con opere di Jordan Baseman, Alex Frost,Dinu Li, Hannah Maybank e Nathaniel Mellors.; ‘AttaKim: ON-AIR’, mostra fotografica di impronta concettuale e astratta dell’artista coreano Atta Kim. sempre a Palazzo Zenobio, Dorsoduro 2596 (Fondamenta del Soccorso), dal 4 giugno al 22 novembre; ‘Post Storia Futura’, personale di Braco Dimitrijevic, artista che ha introdotto il concetto di post-storia come tempo della convivenza di valori e modelli diversi, uno spazio in cui non vi è una verità finale, presso la Ca’ Pesaro, Santa Croce 2076 e Ca’ Farsetti, San Marco 4136 dal 5 giugno al 22 novembre;

‘Create & Change: Internal = External, 1 = ∞’ una mostra in evoluzione, dell’artista taiwanese Lee Sun-Don, a cura di Achille Bonito Oliva, durante il periodo della mostra che si terrà presso Palazzo Pisani Santa Marina, Cannaregio 6104 (Calle delle Erbe) dal 4 giugno al 22 novembre, l’ artista completerà ciascun dipinto.

Le forme artistiche presentate in questa 53° edizione sono varie.

La pittura, come linguaggio artistico tradizionale, ma stilisticamente e contenutisticamente sempre rinnovabile, è presente in bassa percentuale, mentre vanno per la maggiore i video, i film, le sculture realizzate con materiali di recupero, e soprattutto le istallazioni.
Istallazioni, talvolta di notevoli dimensioni e con veri effetti speciali, capaci di trasportare il visitatore in realtà altre, alternative e possibili.

Perché infondo in Biennale tutto è possibile. Ogni realtà creativamente pensata, progettata e realizzata per l’occasione, diviene per un frangente, realtà effettiva, indubitabile.

Scendendo dal vaporetto alla fermata ‘Giardini-Biennale’, e seguendo il percorso tracciato dagli obelischi appositamente collocati per far strada ai visitatori, e recanti il logo dell’esposizione, sono giunta alla biglietteria. Ho atteso in coda con pazienza.
E ho acquistato il mio biglietto: 18, 00 euro per la visita completa alle sedi espositive dei Giardini, del Palazzo delle Esposizioni e dell’Arsenale.
Ho inoltre scoperto che sino a novembre, l’apertura delle sedi sarà dalle 10 alle 18, con chiusura dell’Arsenale al martedì e dei Giardini e Palazzo al lunedì.
Col mio biglietto in mano, soddisfatta e curiosa, ho varcato l’entrata ai giardini e mi sono tuffata nell’imprevedibile!

Una volta varcata la soglia, ho incontrato alla mia destra la prima suggestionante opera: una sfera aperta come fosse una griglia, in alluminio e acciaio, con al centro una piattaforma di perimetro quadrangolare sulla quale erano ben visibili, accesi da un neon rosso, degli ideogrammi cinesi.
Il titolo di questa scultura-istallazione? “Back to Fullness, face to Emptiness”(1997).

Realizzata dall’artista CHEN ZEN, originario di Shanghai, le cui opere tendono sempre alla rivelazione di una comprensione intima e profonda dei problemi del mondo e della società. I suoi Fulness (ideogrammi in neon rosso) sono infatti i diritti dell’uomo, posti al centro del pianeta, del mondo, mentre il termine ‘emptiness’ fa pensare alla necessità che ognuno di noi, in quanto abitante di questo mondo ha, di avere la mente sgombra e aperta per avanzare verso un futuro di pace.

Dopo essermi soffermata sull’opera di Chen Zen ho deciso di accedere al Palazzo delle Esposizioni, una struttura posta infondo al vialetto breve dei

giardini, e sulla quale troneggia un’insegna bianca. Un’insegna che sembra voler rendere il visitatore ancor più consapevole di quello che lo aspetta: ‘BIENNALE’.
Ed ha i colori del cielo e del mare, quest’anno, la facciata del Palazzo delle Esposizioni.
Colori che gli sono stati dati da uno degli artisti che qui espone: John Baldassarri (originario degli Stati Uniti).

Artista noto per fotografie su cui sovrappone campi di colore monocromo, Baldassarri colloca sulla facciata del palazzo un’enorme stampa fotografica adesiva su vinile laminato, titolata ‘ Ocean and Sky’. Qualcosa di sconfinato e abissale. Che fa scomparire l’edificio in un inghiottente paesaggio marino.

Una volta entrata nel piccolo atrio del palazzo espositivo, ho notato alla mia destra l’ingresso al Book Shop che me ne suggeriva la fine, mentre alla mia sinistra c’era una porta aperta, con su scritto ‘Sala F’.
“Sala F” era esattamente il titolo dell’opera. E l’artista è più italiano che mai! Massimo Bartolini, originario di Cecina in Toscana.
Sala F si propone esattamente come infrastruttura all’interno del Palazzo delle Esposizioni, per attività ludico-didattiche nel corso della mostra.

Bartolini solitamente crea interventi su oggetti d’arredo come scaffali, porte, sedie, alterandoli allo scopo di rendere strana l’ordinarietà.

E già al passaggio da questa prima sala alla successiva, noto un elemento che troverò spesso durante il percorso, anche accanto ad opere di altri artisti. Sembra quasi un’entità solitaria, esile, ma intrusiva. Che se ne sta lì, poggiata alla parete, timidamente ma tenacemente, come a dire “non disturbo, per cui non mi sposto!”.

È una delle tante “Barres des bois rond” realizzate tra il 1970 e il 1978 da Andrè Cadere, artista parigino deceduto esattamente nel 1978. Queste ‘barres’ fungono un po’ da sculture e dipinti al tempo stesso, ma sono soprattutto interventi non convenzionali, immessi negli spazi delle istituzioni artistiche.
Cadere le portava in giro per la città e le istallava in ambienti pubblici o in esposizioni di altri artisti.

La Sala nella quale mi sono poi inoltrata era semibuia. Alcune sedie messe in fila accoglievano gli spettatori. Stava svolgendosi una video-proiezione dal titolo “Denovo”; è quella di Dominique Gonzales-Foerter, artista di Strasburgo, che per la 5° volta partecipa alla Biennale veneziana. E proprio da una profonda riflessione sul senso delle sue partecipazioni, nasce questo video, che la riprende in prima persona. Lei parla, si racconta, ricorda, riflette con lo spettatore, ripercorrendo ogni contributo precedente per creare una narrazione. Ne desume che ogni partecipazione si è in realtà rivelata quasi come un dialogo impossibile con Venezia e con la rassegna stessa. Ogni tentativo è stato un ritorno sui luoghi dei progetti precedenti, per trasformare il viaggio in un film.

La saletta successiva accoglieva sulla destra un altro schermo al plasma su cui vedevo trasmesso un video di John Baldassarri risalente al 1977 e titolato “Sixcolorful Inside Job”: in questo video un uomo vestito di bianco è ripreso dall’alto mentre si muove sveltamente in una stanza dalle pareti bianche, pitturandole di vernice rossa.

La Sala dedicata allo statunitense Tony Conrad invece esponeva alcuni “Yellow Movies”, pezzi del 1923/73: si tratta di ibridi post-minimalisti, tra quadro e film. Sono più precisamente dipinti su carta, realizzati con colore bianco fotosensibile.
Questi, in un impercettibile processo di trasformazione, ingialliscono lentamente.

La prima scultura che ho incontrato, nel senso più tradizionale del termine – in quanto è stata realizzata in gesso e legno, con sostegni in alluminio – è stata “Cave Model”, di Rachel Khedoori, artista australiana originaria di Sidney. La forma informale, plasmata in linee curve che ricordano Moore – pur avendo a differenza di questo un’altra leggerezza della materia -, tenta di riprodurre gli andamenti di una caverna, il suo labirintico sistema di gallerie. L’artista invita l’osservatore a ripercorrere spazi nascosti, trascurati o dimenticati. Per questa ragione la sua ricerca scultorea mira a mostrare, nella creazione della materia, cosa vi sia in realtà sotto la superficie delle cose o dei luoghi stessi, sia che sondi i propri ricordi per ricreare le stanze della sua infanzia, sia che studi mappe di caverne.

Un’incredibile, imperdibile, coinvolgente installazione che a gran voce vi suggerisco è quella di Tomas Saraceno: “Galaxies Forming along Filaments like droplets along the strands of a Spider’s web”. L’istallazione in questione, opera del 2009, occupa un’intera sala ed è stata realizzata esclusivamente in corde elastiche, che vanno a costruire vere e proprie ragnatele sferiche, occupanti l’intera area della stanza. Per spostarsi, il visitatore dovrà necessariamente passare tra esse, come ho fatto io, scavalcando i fili elastici che incontrati lungo il percorso. Va precisato che Saraceno è sempre stato attratto da progetti architettonici di carattere innovativo, nonché affascinato da teorie utopistiche di vario tipo, come anche dalle costellazioni astronomiche e dal loro disegno. Questa sua nuova istallazione per la 53° Biennale, indaga la capacità dei filamenti delle ragnatele tessute dalla Vedova Nera, di reggere pesi estremi mediante l’uso di una complessa geometria.

E dopo essermi districata tra le ragnatele elastiche di Saraceno, eccomi improvvisamente trasportata in una dimensione altra, più selvatica a intimante.

Scendendo qualche gradino, luci basse e calde mi hanno accolta, e foglie e strani fiori, di una vegetazione alquanto sinistra. E tra queste foglie e questi fiori sconosciuti e minacciosi, forse carnivori, ecco affacciarsi degli schermi, proiettanti film decisamente inquietanti e paradossalmente dolci. Sono i film si Nathalie Djurberg, artista di Berlino che ha realizzato questa istallazione dal titolo “Experiment 2009”, con la finalità ultima di mettere a nudo, attraverso la ricostruzione di un surrealistico giardino dell’Eden, l’innata paura dell’inconoscibile ed incomprensibile, ponendo l’ osservatore dinanzi ad una promiscuità di emozioni difficili da sviscerare. Vi consiglio di soffermarvi , sentirete l’inquietudine avanzare e il senso del pericolo abitarvi.

Un altro artista originario di Sidney è invece Toba Khedoori.
Con Khedoori sono tornata, per alcuni istanti, ad una dimensione più tradizionalistica dell’arte: il disegno a chiaroscuro, e di impronta iperrealista.

Di lui sono infatti esposti alcuni lavori a grafite su carta risalenti al 2008 in cui vi sono raffigurazioni particolareggiate di sedie, alberi, fogli spiegazzati, avulsi dal loro abituale contesto e collocati in ampie superfici monocrome. Gli oggetti iperrealisticamente riprodotti invitano l’ osservatore a percepire le cose sotto una nuova, inconsueta, luce.

Gli “Alberi Energici” di Gordon Matta, Newyorkese, occupano una parete della medesima sala e sono realizzati a pennarello su carta. Bisogna precisare che Matta da sempre subisce il fascino delle forme naturali, e questi suoi disegni dinamici alludono chiaramente alle forze supreme della crescita e dell’entropia.

Improvvisamente mi sono ritrovata in una sala che si affaccia nuovamente sull’atrio di ingresso e che quasi sembra uno studio di artista: mi sono trovata a muovermi tra dipinti incompiuti, casse di legno, pannelli di compensato e barattolini di vernici colorate. È l’istallazione di Guyton e Walzer. Un “senza titolo 2009” che visibilmente attinge dalla Pop Art di Warhol ma anche agli Assemblage di Robert Rhauscemberg, fondendosi con le tipiche convenzioni del design. In questa nuova istallazione Guyton e Walzer fondono pittura e tecnologia, presentando stampe a getto d’inchiostro su pannelli in gesso o serigrafie su tela,o ancora smalti su pannelli d’acciaio, in un disordine coloratissimo.

Ho fatto un passo indietro, e la realtà di una nuova sala mi ha trasportata in Oriente.

Mi sono ritrovata in Giappone, più precisamente alla metà degli anni ’50. Nasceva in quel periodo, infatti, il Movimento Gutai, qui presentato. Si tratta di un’avanguardia artistica fondata da Jiro Yoshimara e che propose una serie di happening, istallazioni, performance ed action painting uniti ad eventi di teatro e danza.
La 53° Biennale di Venezia ne ripropone alcune istallazioni, ricostruite per l’occasione. Tra queste: “Sakuhn – Ricostruzione del 1965” di Micho

Yoshihara, una superficie di sabbia raccolta in una cornice lignea quadrangolare, su cui dardeggiano, disseminate, venti lampadine; la “Ricostruzione del 1990” di Tsuruko Yamazaki, cinquanta lattine colo rosso magenta sovrapposte e un dipinto su alluminio a tintura e lacca; la “Ricostruzione del 2009”

di Sadamisa Motonaga, tubi di plastica bianchi semitrasparenti appesi al soffitto, in cui vi è dell’acqua colorata, rossa e verde; la “Ricostruzione del 2006” di Soburo Muratami,una struttura-parallelepipedo in legno foderata da carta da imballaggio strappata in più zone.

“El sueno de una cosa” è invece la proiezione dell’artista algerino Philippe Parreno, che mi ha fatta trasalire! Un video del 2001, della durata di 35 minuti e con musiche di Edgar Varese, veniva proiettato su sei tele monocromatiche bianche. Un lavoro in cui Parremo ha tentato di indagare la natura dell’immagine, nella sua misteriosità, ripensando ai modi dell’esposizione, della narrazione e dell’autoralità.

Lungo una parete della sala successiva ho visto esposti otto oli su mogano, otto pezzi in monocromo, dai colori saturi e timbrici. Erano, insieme, un’ opera: “ Melt Down (After Yves Kleyn) – 2001”di Sherrie Levine, artista newyorkese che ha fatto della propria produzione artistica un impegno più storeografico che personale.

Una ricostruzione storeografica dell’arte del secondo novecento, portata avanti allo scopo di identificate altre continuità insite in narrazioni già consolidate.

Lygia Pape, di Rio De Janeiro – Brasile, è invece presente in Biennale con uno storico pezzo del 1959: “Livro da Criçao”, considerato opera fondamentale del ‘Neoconcretismo’. È una tecnica mista su cartone. Pape ha lavorato nel campo della pittura, della scultura, della danza e della cinematografia, indagando sempre quelle che sono o possono essere le dimensioni sociali dell’arte.

E poi…
Luci basse.
Un corridoio.

Un tavolo ingombro di figure-giocattolo che si muovevano proiettando le loro ombre danzanti su una parete illuminata. Si trattava di un’istallazione che arriva direttamente Germania. Il nome del suo autore è Hans-Peter Feldman, originario di Düssendolf e noto per la sua abilità a raccogliere l’oggetto ordinario e infondervi col suo intervento di artista un senso di stupore.

La sua istallazione, realizzata tra il 2002 e il 2009 e titolata “ Schattenspiel (Shadowplay)” è carica di meraviglia! Queste figure e altri oggetti accumulati su piattaforme in lenta rotazione, proiettando sulla parete nuda le loro sagome danzanti ricordano il gioco delle ombre cinesi, come pure gli effetti della lanterna magica.

Un’altra sala. Un’altra sorpresa.

Due pareti che fanno angolo erano interamente tappezzate di pagine di riviste e quotidiani, di vestiti africani dai colori sgargianti,e di manifesti di propaganda politica.

Sul pavimenti invece pile di riviste e statuette africane in legno. Mi trovavo di fronte aòl’istallazione di Georges Adérbo, artista proveniente dalla Repubblica del Benn. Titolo dell’opera, appositamente realizzata per la Biennale di Venezia, è “La création et les créations…”. Un assemblaggio di oggetti trovati e commissionati dall’Africa occidentale, all’Europa, spesso incentrati sull’appropriazione politica e culturale, sulla violenza coloniale, sulla benevolenza post-colonie.

Ho continuato il mio percorso e ad un certo punto, sulla parete bianca di una sala ho notato una sequela di pagine bianche incollate ad equa distanza..

Su di esse ho letto impresse brevi poesie. Due versi o tre. A volte qualcuno in più. A volte una riga sola.
È il lungo percorso concettuale-poetico di Yoko Ono. E per voi ne ho scelte due.

‘Lavoro del sole’: Guarda il sole finché diventa quadrato. (Yoko Ono – inverno 1962)

‘Shadow Piece’: Put your shadows toghether until they become one. (Yoko Ono – 1962)

Ho attraversato lo stretto corridoio che esponeva le ultime poesie di Yoko Ono, ho girato l’angolo e una saletta intimamente dedicata alla pittura mi ha stupita.
Alcune tele se ne stavano li,appese alle pareti. Come un fenomeno insolito, in una Biennale quasi interamente occupata da video e istallazioni.

Solo e semplicemente pittura qui? Si!

Il soggetto ritratto era sempre lo stesso: un ascensorista in divisa blu coi bottoni dorati. Il volto era deformato. La tecnica rimandava allo stile di Francio Bacon. Ma l’artista in questione era, anzi è, italiano.

Si chiama Pietro Roccasalva, classe 1970, vive e lavora a Milano, e questi ritratti su tela fanno parte del ciclo “ The Skeleton Key – 2006/2009”. L’ ascensorista è il soggetto dell’indagine. Un  individuo che sembra incarnare una condizione di mutabilità perenne, in cui ci si muove stando fermi.

Gilbert e Gorge, storici esponenti del post-moderno, sono anche quest’anno in Biennale, ma con una semplice pagina di giornale. “Megadine Scultura, Two Text Pages describing our position”, del 10 gennaio 1971. Il loro lavoro è stato fondato su “un arte per tutti”. Si muovevano tra la fotografia e la pittura, tra gli happening e le performance, tentando di aprire un dialogo con un pubblico sempre più vasta e anche in merito a questioni sociali e politiche di una certa delicatezza e rilevanza.

Ho voltato le spalle a Gilbert e George, ma solo per proseguire la mia visita. Ad attendermi, c’era una sala semioscura. E qui, ancora una proiezione.

Un film in bianco e nero della durata di 35 minuti, girato in una azienda metallurgica berlinese nel 2006 riprendeva il lavoro degli operai.

L’artefice è Simon Starling, originario di Berlino. Ma l’opera, titolata “Wilhelm Noak ohg”, non finisce con la proiezione. È parte integrante dell’ opera, infatti, anche il proiettore presente in sala, una loop machine appositamente costruita per l’occasione: una elegante scultura cinetica.

Pavel Pepperstein, artista originario di Mosca, che avrei poi ritrovato nel Padiglione Russo, era qui, in una delle ultime sale con “Liberation of attribute”, una composizione di 15 lavori ad inchiostro e acquerello su carta incorniciati, risalente al 1994.

La ricerca di Pepperstein è virtuosa, nel disegno come nella scrittura. Le sue tavole sono un insieme di disegno e testo, ove l’una si riferisce all’ altra, per dare origine a una supersaga.

L’ultimo nome in cui mi sono imbattuta qui a Palazzo delle Esposizioni è quello di Rachel Harrison, artista newyorkese, che si ispira alla poetica del consumismo tipica della Pop Art, realizzando sculture rimarcanti il vistoso sfoggio dei beni di consumo.

Le sue opere sovente sollecitano l’osservatore a riflettere sull’assurdità che contraddistingue la vita quotidiana. E l’opera presentata alla 53° Biennale di Venezia è precisamente un assemblaggio di compensato, polistirolo, cemento, parex, acrlico, una scatola di cartone, del nastro da imballaggio e un’aragosta.
L’ho guardata, sondata, fotografata… e poi…mi sono diretta verso l’uscita.
C’era una carrellata di Padiglioni Nazionali ad attendermi nello spazio dei Giardini!
La seconda tappa di questo avventuroso viaggio nella contemporaneità sarebbe stata ancor più sorprendente della prima.

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