L’ARTE E IL MISTERO:
TURRI ITALO;
LA VITA DENTRO L’OPERA TRA SIMBOLICO E INFORMALE
(di Donato Di Sepio)

Nella storia di un artista, specie se articolata da eventi non comuni è culturalmente complessa.
La vita di un uomo è semplicissima, ma la vita di un filosofo, di un pittore, di uno scrittore, può diventare molto complessa se le sue opere non sono semplicemente “prodotti” di quella vita che anzi sono “essi” a produrla, nella sua realtà più profonda – come nel caso di Italo Turri – ha avuto il potere di mutare, di rendere la propria personalità simile a uno specchio di guisa…..vi si rifletta; “perchè un genio – afferma Marcel Proust – consiste nel ‘potere riflettente’ e non nella quantità intrinseca dello spettacolo riflesso”. Italo Turri, infatti, nel suo essere schivo, diffidente era un artista “strano”, e nel suo essere umile e solitario era un artista-poeta. “Strano perchè frustrato dall’incomprensione di una società che non riusciva a capire il perchè Turri si fosse autoemarginato, ridotto a vivere del disagio esistenziale. “Artista-poeta”, perchè guardare le sue opere è come leggere l’intensità poetica della sua arte… Per un uomo la cui vita è come una “Monade” (Leibniz), l’intuire figurativo aliena ogni contenuto ed esteriorità, e solo il sentimento lo mantiene in unità soggettiva con l’Io interno… Quello che è formidabile in quest’artista, è appunto la grande forza emotiva, l’aver riportato emotività nell’arte. La sua è una conoscenza intima,”intelligere” è quasi un leggere dentro, “intus legere” cioè dotato di percezione distinta unita alla facoltà di riflettere l’oggetto dell’intuizione sensibile da ritrarre o comporre. La sua morte, il 9 Aprile 1995, se ha chiuso il capitolo della sua travagliata esistenza, non ha esaurito, per nostra fortuna, quello della sua pittura: come capita alle opere dei Grandi – sempre vive – attorno ad esse si parla, si critica, in esse si specchia un’epoca e le sue interpretazioni di periodi storici buoni o difficili e tutti da rivisitare. Se poi sia stato un divisionista, sperimentalista, informalpostimpressionista, simbolrealista, poco importa: ogni sua classificazione, per quanto infinita, appartiene alle epoche dell’uomo.

Articolo di Giovanna Lacedra del 10 giugno 2009

Visita la sezione arte di Sbngs

IL CUBISMO è certamente stata l’avanguardia più sovversiva, quella che ha capovolto il modo di fare arte, aprendo anche la strada all’astrattismo, e ispirando i Futuristi Italiani. Per comprenderla dobbiamo innanzitutto contestualizzarla, e successivamente soffermarci sul percorso personale del genio che l’ha “avviata”: Pablo Picasso.
Contesto: nel 1905 Albert Einstein propone la “Teoria della RELATIVITA’ “ secondo la quale la realtà non è più qualcosa di ASSOLUTO, unico e ordinato,bensì è FRAMMENTATA, per cui non esiste più una verità assoluta, ma tante verità RELATIVE ai frammenti che vengono presi in considerazione; la realtà non è un tutto unico ma un insieme di frammenti. Questo influenza inevitabilmente l’arte visiva, e proprio il cubismo assorbirà a pieno questo concetto della REALTA’ FRAMMENTATA.
Ma chi era Pablo Picasso, il suo “iniziatore?
Il suo è certamente un nome noto anche chi sa poco di storia dell’arte. È l’artista ad oggi più rubato e più quotato nelle aste. Un uomo di grande carisma, un artista poliedrico, energico, in continua evoluzione, sempre mosso dal desiderio di sperimentare e creare nuovi linguaggi. Un vero genio, sicuro di sé. E infatti, raggiunta la fama (poiché fu il solo pittore a riscuotere già in vita così tanto successo, e ad esser conteso da così tanti galleristi, in quella Parigi città d’arte, che era l’approdo per coloro che – come Brancusi dalla Romania e Modigliani dall’Italia – sognavano di diventare celebri artisti, e intanto scolpivano e dipingevano in povertà), Picasso soleva dire:“VOLEVO DIVENTARE UN GRANDE ARTISTA…
..INFATTI… SONO DIVENTATO PICASSO!!!”
Nato a Malaga, in Spagna, nel 1881, Pablo dimostrò fin da piccolo grandi doti artistiche. Suo padre, orgoglioso di questo, già a 13 anni lo iscrisse ad una scuola di disegno dal vero e pittura. Ma lui non fu solo “Cubismo”. Il Cubismo è un punto di arrivo, una conquista, un momento – probabilmente il più importante -
della sua storia di artista. Il linguaggio cubista è stato un po’ la sua scoperta. Rovesciando tutte le regole compositive dell’opera d’arte, Picassso ha rotto definitivamente con l’arte del passato.
Ma prima di arrivare al Cubismo, quali sono state le altre tappe del suo cammino artistico?
Pablo Picasso all’età di 14 anni sapeva dipingere la realtà e gli esseri umani in maniera perfetta, non aveva più nulla da imparare. Quello che invece anelava a trovare era un proprio linguaggio pittorico, uno stile nuovo.
E così, dopo il suo primo soggiorno a Parigi, in cui imitò un po’ la pittura di Degas o dei post-impressionisti, hanno inizio le due nuove fasi del suo percorso pittorico:
IL PERIODO BLU (1901-1904): Il blu è il colore che prevale nelle figure come negli sfondi delle opere appartenenti a questo periodo; un blu che sa di freddezza, di gelo, di profondo dolore. Infatti il periodo in cui emerge questo stile non è dei più felici; Pablo vive a Parigi di stenti e miserie, non ha ancora sfondato. E la povertà diventa il tema centrale delle opere dipinte in questo periodo: poveri, emarginati, gente miserabile o sola. Figure chiuse in una solitudine fredda, in una distanza che è mancanza di amore, e dai corpi volutamente allungati e scarni. In questo periodo egli ottenne il primo contratto con un gallerista: per uno stipendio di 150 franchi accettò di fornirgli un certo numero di opere al mese.
IL PERIODO ROSA (1904 – 1906) : Picasso passa gradualmente dal blu ai toni più caldi del rosa, o rosa-aranciato. Si può dire che nel 1904 pian piano, di tela in tela, andò integrando al blu, velature di colori caldi e rosati. Di qui il nome di “Periodo Rosa”. Le figure protagoniste dei dipinti sono ancora persone fuori dal comune, ma oltre ai poveri si aggiungono i saltimbanchi, i giocolieri, gli artisti di strada, gli arlecchini… insomma, personaggi più creativi e felici, in qualche modo…e anche la povertà con queste velature di rosa assume toni più poetici e addolciti.
Poi, nel 1906, arriva la grande scoperta della sua vita: in una mostra al MUSEO DEL TROCADERO (attuale Museé dell’Homme) di Parigi, Pablo vede, e resta ammaliato, dalle sculture e dalle maschere dell’arte Primitiva Africana, soprattutto quelle provenienti dal Congo e dalla Costa d’Avorio. La schematicità geometrica di quelle maschere aveva già sedotto e influenzato la pittura del livornese Modigliani, suo amico e nemico, ma per Picasso furono una vera e propria illuminazione: la razionalità di quest’arte, la sintesi geometrica e spigolosa di questi volti divennero la sua ossessione. Prese a fare bozzetti su bozzetti di CABEZE (teste) in cui cercava di disimparare le sue strabilianti conoscenze anatomiche del volto umano, per ridurlo ad una sintesi schematica simile a quella dell’arte primitiva e che creasse una rottura con l’arte del passato, come mai era stato fatto fino ad allora. Inoltre in Picasso era sorta un’esigenza ancora più forte: quella di creare un’arte che non fosse più imitazione della realtà, ma che divenisse autonoma. IL QUADRO DOVEVA ESISTERE DI PER SE’, NON COME SPECCHIO DELLA REALTA’.
Ecco la partenza del CUBISMO: l’arte africana e il bisogno di non imitare più la realtà per come la vediamo.
Nel 1907 Picasso si chiude per alcuni mesi nel suo appartamento-atelier in Rue Ravagnan a Montmartre – dove conviveva con la sua compagna Fernande Olivier – a lavorare su una enorme tela, che sconvolse, e lasciò sgomenti, i primi artisti a cui l’artista la mostrò: si tratta dell’opera-manifesto del Cubismo, che ne segna ufficialmente la nascita.
LE DOMOISELLE D’AVIGNON:
Cinque donne completamente schematizzate e deformate da uno stile pittorico tagliente e spigoloso. Cinque nudi femminili che di riferimenti all’eleganza, all’armonia e alla bellezza femminile ne hanno ben pochi. Sembrano invece, come affermò un critico d’arte vedendo l’opera per la prima volta, figure “tagliate con l’accetta”. I canoni proporzionali sono stati completamente sconvolti. E con quest’opera Picasso distrugge definitivamente le leggi compositive tradizionali: non c’è più la prospettiva usata sin dal 1400.
LE CINQUE FIGURE FRAMMENTATE, SCOMPOSTE. COSì COME LO SPAZIO IN CUI SONO DISPOSTE
I volti, sintetizzati in linee taglienti, sono un chiaro riferimento alle maschere africane. Ma la figura inginocchiata a sinistra ha qualcosa di più sconvolgente: il suo volto è frontale, mentre il corpo è visto di schiena. Da questa figura, da questa scelta di mostrare contemporaneamente due parti del corpo che nessuno potrebbe mai vedere nello stesso istante, parte la poetica del Cubismo.
Cerchiamo di capire: se siamo di fronte ad una persona ne vediamo il viso, il petto, il busto, la pancia, le cosce, le ginocchia… tutto in versione frontale. Se invece questa persona resta immobile e noi ci spostiamo nello spazio attorno a lei, cambiando punto di vista, ovvero, ponendoci alle sue spalle, avremo un’altra visione. Vedremo la nuca, i capelli, le spalle, la schiena e così via. Non è permesso però, ai nostri occhi, vedere allo stesso tempo un viso e una schiena. Per farlo dobbiamo spostarci, e per spostarci necessitiamo di tempo, anche solo pochi istanti. Ma quei pochi istanti creano un prima (in cui la figura era frontale) e un dopo (in cui la figura è di spalle). Ora, se il pittore avesse voluto rappresentare la realtà per come la vediamo e come tutti gli artisti avevano fatto prima di lui, avrebbe dipinto una donna vista completamente di fronte o completamente di spalle. E invece no! La rivoluzione cubista sta proprio in questo, e nel principio di relatività: ciò che vediamo di un oggetto o di un soggetto è sempre relativo al punto di vista da cui lo osserviamo: lo stesso oggetto, fermo nello spazio di una stanza, possiamo vederlo da molteplici punti di vista. I punti di vista cambiano non appena cambia la nostra posizione nello spazio.
Prendiamo un cubo, mettiamolo su un tavolo. Osserviamolo. Ne vediamo tre facce. Se ci inginocchiamo, ne vediamo solo due, la base superiore non esiste più; se ci spostiamo intorno al cubo, lentamente, vedremo altre due facce e via discorrendo. La visione del cubo cambia in base alla nostra collocazione nella stanza. Quello che Picasso – e poi Braque, il pittore che con lui aderirà al Cubismo, fino al 1915 – cerca è una VISIONE SIMULTANEA DELLA REALTA’ IN TUTTI I SUOI POSSIBILI PUNTI DI VISTA.
Ma vedere un cubo da tutti i punti di vista nella realtà non è possibile! È possibile invece sulla tela!
Come? SCOMPONENDO L’OGGETTO IN TUTTI I SUOI PUNTI DI VISTA, E RICOMPONENDOLO POI SULLA TELA SFACCETTATO. Ecco la realtà non più assoluta, ma relativa al punto di vista da cui la si osserva. Un cubo, per vederne tutte le sue facce nello stesso tempo, lo si scompone. Come se fossimo contemporaneamente in ogni punto della stanza o lo vedessimo da tutte le angolazioni. E non è solo l’oggetto ad essere frantumato, scomposto in tutte le sue possibilità visive. Viene scomposto anche lo spazio in cui questo si trova, e quindi lo sfondo. Perché quando osserviamo qualcosa, accogliamo nel nostro campo visivo anche lo sfondo, che può essere una parete, un armadio, una finestra, un viale, un prato, qualunque cosa…
Con la scoperta cubista Picasso e Braque aggiungono alla 3° dimensione (lo spazio) la 4° dimensione (il tempo): la dimensione SPAZIOTEMPORALE entra nell’arte. Lo spazio e il tempo che impiegheremmo per spostarci intorno all’oggetto e vederlo, appunto, prima in un modo, poi, in un altro, si fondono. Il prima e il dopo non esistono più: esiste lo SPAZIOTEMPO.
L’opera d’arte adesso non imita più la realtà, ma esiste come una entità autonoma, che costruisce una nuova dimensione..E per separare ancora di più l’arte dalla realtà, per rendere il quadro ancor più autonomo, i cubisti inventano la tecnica del COLLAGE: l’inserimento nell’opera di materiali eterogenei ( lettere, numeri, carte da parati, frammenti di giornale, brandelli di tessuto o tela cerata, incollati sulla tela). L’intervento del collage crea una ulteriore separazione con l’arte intesa come imitazione della realtà, aprendo la strada all’astrazione. E la scomposizione della realtà in piani, poi ricomposti e incastrati poi sulla tela, è invece preziosa per la nascita del Futurismo.

Giovanna Lacedra

E’ partita. Domenica 7 giugno la 53. Esposizione Internazionale d’Arte ha aperto le grandi pubbliche. Fare Mondi // Making Worlds // Bantin Duniyan // Weltenmachen // Construire des Mondes // Fazer Mundos, il cui direttore è Daniel Birnbaum, dal 2001 Rettore della Staedelschule di Francoforte sul Meno (Germania) e del suo spazio espositivo Portikus, accademia che concilia l’insegnamento dell’arte contemporanea con la sperimentazione e la ricerca creativa.

Fare Mondi // Making Worlds collega in un’unica mostra le sedi espositive del rinnovato Palazzo delle Esposizioni della Biennale (Giardini) e dell’Arsenale, e riunisce, inclusi i collettivi, più di novanta artisti da tutto il mondo, con nuove opere di tutti i linguaggi.

“Il titolo stesso della 53. Esposizione Fare Mondi // Making Worlds” ha dichiarato Birnbaum, “esprime il mio desiderio di sottolineare il processo creativo. Un’opera d’arte è una visione del mondo e, se presa seriamente, può essere vista come un modo di fare mondi”.

Sabato pomeriggio intanto, prima dell’apertura al grande pubblico, si è svolta una cerimonia per la presentazione del restauro e la restituzione alla città del monumento alla Partigiana, opera di Carlo Scarpa con statua di Augusto Murer, sulla riva ai Giardini di Castello, evento al quale è intervenuto il presidente della Repubblica, Giorgio Napolitano.

APPROFONDISCI L’ARTICOLO >>